Los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969 (bajo el lema "Amor, paz y música") se celebró en Woodstock (Bethel, estado de Nueva York) el Woodstock Music and Arts Fair, más conocido mundialmente como Festival de Woodstock. La audiencia, estimada en medio millón de personas, determinó el nacimiento de la llamada "nación de Woodstock", símbolo máximo de la fuerza de la música en los 60 y auténtica bandera de toda una generación en su búsqueda de su propia identidad.
Los participantes en el festival son irrepetibles: Crosby, Stills, Nash and Young, Richie Havens, Who, Joan Baez, Joe Cocker, Ten Years After, Santana, Jimi Hendrix, Credence Clearwater Revival, Grateful Dead, Jeffersson Airplane, Blood Sweat and Tears, Johnny Winter y muchos más. Durante los tres días, fueron grabadas y filmadas 72 horas de música casi ininterrumpidas. Woodstock se convirtió en la culminación del movimiento hippie y del proceso de revolución social y musical iniciado en los 60. Se editó un triple álbum en 1970, del cual se vendieron solamente en ese año más de dos millones de copias. La película supo captar toda la esencia de lo que había sido Woodstock, desde la construcción del escenario y el atasco formado por el público que acudía a la cita, hasta los planos finales, en la soledad de la llanura vacía, cuando todos regresaban ya a sus casas. El hecho de que durante tres días, y en un ambiente hostil por lo precario de la situación, medio millón de personas convivieran pacíficamente fue lo más relevante a nivel social, en un país donde la violencia es casi natural. Aunque las condiciones de vida eran bastante negativas, la música y la sensación de que allí estaba "pasando algo" eran lo fundamental. Con Woodstock, una sociedad puritana y atávica desaparecía de raíz. Cuerpos desnudos de chicos y chicas, con sus ropas secándose al sol, bañándose o descubriéndose los unos a los otros, produjo una reacción inmediata entre sus asistentes, y una posterior entre los herederos del influjo del festival. De hecho, produce aún hoy una sensación de novedad en quien descubre su significado, bajo el prisma que sea. Sólo se es joven una vez en la vida y, en contadas ocasiones, experimentamos la auténtica y real sensación de la libertad. Para los buscadores de sensaciones, Woodstock fue la panacea: zonas para practicar el yoga, bosques donde perderse, espacio, música constante... Sólo cuando la última nota sonó en el festival y alguién dijo adiós, la realidad se hizo de nuevo patente. Los asistentes volvieron a sus casas con la idea de que haber tomado parte en algo, y eso era mucho más de lo que muchos podían siquiera soñar. Bajo el estigma de la paz, Woodstock era ya el canto más importante de toda una década.
Tal día como hoy, el 26 de agosto de 1968, hace por tanto 40 años, salía a la venta en Inglaterra el single del mítico tema de los Beatles "Hey Jude", escrita por Paul McCartney, aunque en los créditos figure el dúo Lennon-McCartney, como en cualquier tema compuesto por uno de ellos dos o por ambos músicos. Llevaba como cara B el polémico "Revolution", de JohnLennon. Además fue el primer single editado por Apple, la nueva discográfica del grupo.
Las emisoras de radio se mostraron un tanto reacias a pincharla por su extensa duración, más de 7 minutos, el doble de lo habitual en aquella época, pero no tardó demasiado en convertirse en todo un acontecimiento a nivel mundial: a finales de ese mismo año ya había vendido más de cinco millones de copias. Se mantuvo dos semanas en número uno en las listas británicas, y nueve semanas como número uno en las listas de Estados Unidos, el mayor tiempo logrado por un sencillo de los Beatles.
Es de todos conocido que Paul la escribió para intentar consolar a Julian, hijo de John, con motivo del divorcio de éste de su primera esposa, Chyntia. También sabemos que en principio el tema se iba a llamar "Hey Jules", diminutivo de Julian, pero McCartney la cambió porque le sonaba mejor "Jude". Curiosamente, Lennon murió pensando que el tema fue hecho para él; sin embargo, McCartney ha contado varias veces que la idea de la canción surgió a causa de una visita que le hizo a Cynthia Lennon. Julian descubrió que la canción fue escrita para él cerca de veinte años después.
Por aquella época, las relaciones entre los miembros del grupo no pasaban por su mejor momento. Los Beatles habían iniciado el 30 de mayo en los estudios londinenses de Abbey Road su proyecto más disgregador, aunque también uno de los más ricos artísticamente: la grabación del "White album" ("Älbum Blanco"). En mitad de aquellas sesiones, en las que en ocasiones cada miembro del grupo hacía su labor en estudios separados y donde las tensiones llevaron a Ringo Starr a abandonar la banda durante unos días, los Beatles comenzaron a trabajar en "Hey Jude" el 29 de julio. Desde el principio el grupo tuvo claro que la canción no formaría parte del Álbum Blanco y que sería publicada en un single aparte, como así fue.
Para terminar este artículo, os dejo, como era de esperar, el vídeo original del tema, el cual se abre con un inolvidable crescendo, empezando por el piano y la voz de McCartney, a los que se van uniendo, uno por uno, el resto de los instrumentos, comenzando por las guitarras de Lennon y George Harrison y la batería de Ringo. Termina con una orquesta de cincuenta músicos y las voces de McCartney, Lennon y Harrison, unidas en un extraordinario final de cuatro minutos, haciendo de este tema un himno que permanecerá imperecedero generación tras generación.
The Wall, decimotercer álbum de Pink Floyd, editado en noviembre de 1979, ha pasado a ser uno de los grandes clásicos del rock y cuya atmósfera morbosa y depresiva ha inspirado a muchos otros músicos de rock. Con un coste de 700.000 dólares, el álbum consiguió veintitrés discos de platino y se sitúa como el disco más vendido en los años 1970 y en el tercer lugar de los discos más vendidos de todos los tiempos. Su single "Another brick in the wall, part 2", del cual tenéis el vídeo en la sección VÍDEOS MUSICALES, es el mayor éxito en sencillo del grupo.
La historia nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada "Pink", que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la 2ª Guerra Mundial en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etcétera, son convertidos por él en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. Durante un intento de suicidio con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo radicalmente opuesto a lo que "Pink" siente y es, señalando el punto sin retorno a la locura, pero que finalmente "Pink" no quiere traspasar. Finalmente se celebra "un juicio" ficticio y simbólico contra "Pink", que termina con la condena de derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en una liberación final que permite a "Pink" volver a "fluir".
Pink Floyd desarrolló una corta gira con The Wall entre 1980 y 1981, pero sólo en unas pocas ciudades (Nueva York, Los Ángeles, Londres y Dortmund). El espectáculo incluyó la proyección de secuencias de animación que posteriormente servirían para la película, así como reproducciones de los personajes como gigantescas marionetas. El espectáculo comenzaba con los supuestos miembros de Pink Floyd con las caras cubiertas por máscaras, para ser poco a poco ocultados a la audiencia por la construcción de un gigantesco muro en el que se sucedían las proyecciones y las actuaciones de las marionetas, y que finalmente era destruido de forma explosiva durante "The Trial" (el juicio), todo ello según se desarrollaba la propia historia. Este impresionante montaje requirió importantes cantidades de dinero, lo que ocasionó un desastre económico para Pink Floyd. Irónicamente, Richard Wright, que había abandonado el grupo durante la grabación en 1979 y que participaba en estos conciertos como músico a sueldo, fue el único que ganó dinero con la producción.
(Fuente: Varios)
A continuación, os dejo un vídeo de uno de los conciertos de la gira The wall, concretamente en el Earls Court deLondres, en 1980. Aunque no tiene mucha calidad, supongo que merece la pena revivir estas escenas. Todo un lujo para nostálgicos.
La historia de esta singular guitarra comenzó en el año 1963, cuando Brian May, con tan sólo 16 años, se dio cuenta que con su guitarra acústica no podía interpretar las canciones que escuchaba en la radio y trataba de emular. Así que decidió cambiarla por una eléctrica; pero en esa época el joven Brian no disponía del dinero para comprarse las caras Gibson y Stratocaster que había en el mercado. Así que, con la ayuda de su padre, Harold May (ingeniero electrónico), decidió embarcarse en un difícil proyecto: fabricarse su propia guitarra, trabajo que comenzó en agosto del ´63 en un dormitorio de su casa convertido en taller. Para la elección del material, Brian tuvo que buscar minuciosamente. Por ejemplo, para el mástil utilizaron la madera de una chimenea que un amigo de la familia iba a tirar. La madera era pura caoba, pero estaba vieja y algo apolillada; sin embargo, Brian logró darle forma a mano.
Así lo explica él mismo: "El mástil formaba parte de una chimenea que iba a ser destruida. La caoba era de buena calidad, pero era tan vieja que estaba algo apolillada. Rellené los agujeros con madera de cerilla y los cubrí con una capa de Rustin's Plastic Coating. La caja de la guitarra la hicimos de un robusto trozo de roble. En un momento determinado, el escoplo estropeó parte de la madera de la caja, y me sentí tan frustrado que tiré todo por la ventana y empecé de nuevo. Las herramientas utilizadas a lo largo del proyecto, también eran hechas a mano, y las que no estaban, eran herramientas sencillas. En el lugar en el que están unidos el cuerpo y el mástil, sólo utilicé un cortaplumas y una lija, porque no teníamos ninguna herramienta más compleja."
Para los marcadores del diapasón, Brian rebuscó en el costurero de su madre Ruth, y encontró unos botones de madre perla. Esos botones se convertirían en los marcadores de la "Red Special". Las cuerdas las tuvo que comprar, ya que no encontraba ningún sustituto adecuado para ellas. El siguiente paso era construir los fonocaptores (las tomas de sonido). Brian construyó uno con dos cables atados a unos magnetos, pero el resultado no fue el esperado, así que decidió comprar unos fonocaptores Burns Tri-Sonic, aunque a Brian tampoco le gustó el resultado y decidió hacer unos pequeños retoques:
"Los volví a enrollar y los rellené con Araldite, menos el del puente, que probablemente lo haga algún día".
El brazo del trémolo lo hizo con un trozo de acero bastante especial, que él mismo modeló después. Para equilibrarlo utilizó dos resortes de válvulas de motocicleta:
"El brazo de trémolos es una de esas cosas para aguantar los cestos de las bicicletas, y el nudo del final está hecho con una aguja de hacer ganchillos. Los resortes del trémolo son de una motocicleta (ahora no recuerdo de que tipo), pero un amigo mío tenía montones de resortes de válvulas de motocicletas, y usamos eso". Y por fin, tras un año y medio de trabajo, y con un costo de 8 libras esterlinas, la Red Special emergió. No se parecía a ninguna otra guitarra y su sonido era y es bastante particular, diferente al resto de las guitarras "normales". Antes de tener la guitarra finalmente terminada, Brian la llevó a la escuela, pero se sentía molesto porque no tenía el aspecto de una guitarra comercial. Pero tras pulirla y barnizarla, la guitarra quedó impecable y ya parecía una de las profesionales. Al volver a llevarla a la escuela, sus compañeros quedaron tan impresionados que uno de ellos ofreció cambiársela por su guitarra comprada, obviamente Brian se negó. Brian continuó buscando el sonido que él perseguía. Tras muchos experimentos, descubrió que tocando con una moneda de seis peniques como púa conseguía un sonido puro y limpio. Y usando esa moneda es como Brian ha tocado en todos los discos y todos los recitales de Queen.
A finales de los 90, el luthier australiano Greg Fryer restauró la Red Special arreglando los problemas que tenía la guitarra a causa del desgaste, dejándola casi como nueva. También fabricó tres copias de la misma (Brian las bautizó George, John y Paul), entregándole dos a Brian, y quedándose con una (Paul). En 2004, el luthier inglés Andrew Guyton comenzó la fabricación de cincuenta copias de la Red Special: cuarenta en rojo (por el 40º aniversario de la guitarra), y diez en verde (a Brian le gustaban mucho las réplicas de Guild hechas en ese color). A principios de 2006, la guitarra fue nuevamente objeto de mejoras siendo instalado en ella un nuevo jack e incluso reemplazando el traste 0. El retrasteo completo del mástil fue sugerido para facilitar a Brian la ejecución, pero éste no quiso saber nada al respecto.
Supongo que Celine Dion no necesita presentación. Para mí es una de las mejores y más reconocibles voces femeninas de la historia de la música moderna. Todo el mundo sabe que es una vocalista canadiense y que ha vendido más de 200 millones de álbumes en todo el mundo. Según los entendidos, y esto ya no lo sabe todo el mundo, su registro vocal abarca desde el rango de contralto hasta el de soprano y es de más de tres octavas. Abarca todas las voces de categoría femenina: contralto, mezzosoprano y soprano. En cambio, su tesitura es la típica de una mezzosoprano.
Nació en 1968 en la ciudad de Charlemagne (Quebec, Canadá). Toda su familia se dedicaba a la música, por lo que desde pequeña vivió envuelta en ese mundo. En 1980 grabó una maqueta con una canción compuesta por su madre. En 1981 se publicó su primer disco, que incluía la canción "Ce n'était qu'un rêve". Rápidamente, Celine se convirtió en una pequeña estrella revelación en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la Medalla de Oro en el Festival Mundial de la Canción.
Aunque en sus inicios Celine cantaba en francés, su lengua materna, su talento no pasó inadvertido allá donde fue y pronto decidió extender su terreno musical grabando en inglés. Su primer álbum en lengua inglesa, Unison (1990) extendió su reconocimiento internacional con el single "Where does my heart beat now" y le abrió las puertas del mercado anglosajón. Para demostrar que no había olvidado sus raíces y a su público francófono, Celine lanzó en 1991 una recopilación de canciones antiguas del gran compositor Luc Plamondon bajo el título de Dion chante Plamondon. El álbum fue rebautizado en Francia como Des mots qui sonnent.
Posteriormente, salieron a la venta Celine Dion (1992) y The colour of my love (1993) que le dieron un gran impulso en el panorama musical mundial con temas como "Beauty and the beast" (ganadora de un oscar) y "The power of love", que se hicieron muy populares en Estados Unidos y en el resto del mundo.
Tras cuatro años sin grabar en su idioma, salió al mercado D'eux. Obtuvo un éxito arrollador batiendo récords de ventas y hoy en día sigue siendo el álbum francófono más vendido en todo el mundo. Destacan los temas "Je sais pas" y "Pour que tu m'aimes encore".
El año 1996 fue clave para afianzarse como gran estrella internacional con el lanzamiento de Falling into you, del cual se han vendido más de 32 millones de copias en todo el mundo. El álbum recoge temas tan conocidos como "Because you loved me", "It's all coming back to me now" y "All by myself".
Al año siguiente se lanza Let's talk about love, un disco repleto de temas románticos. "My heart will go on" —de la banda sonora original de la película Titanic e incluida en este álbum— resultó un absoluto éxito internacional con millones de copias vendidas y múltiples récords alcanzados consagrando a Celine como una de las artistas más famosas a nivel mundial. Gracias al tremendo éxito de este tema, Let's talk about love continúa siendo su álbum más vendido.
Tras un paréntesis, Celine regresa al primer plano musical con el lanzamiento de A new day has come, en 2002. Incluye los temas "I'm alive", "Goodbye's (the saddest word)" y el single que da título al álbum. Durante los siguientes tres años salieron al mercado tres discos de estudio: One heart, 1 fille & 4 types y Miracle; uno en directo, A new day... Live in Las Vegas; y el recopilatorio On ne change pas, que recoge sus mejores éxitos en francés.
En 2007 sale a la venta un nuevo álbum en francés, D'elles. De este álbum han sido lanzados los sencillos "Et s'il n'en restait qu'une (je serais celle-là)", "Immensité" y "À cause".
A finales de ese mismo año, se pone a la venta Taking Chances, que ha devuelto a la cantante al centro del panorama musical internacional.
Para despedir este pequeño homenaje a esta grandísima cantante, quiero terminar -como no podía ser de otra forma- con el vídeo del citado "My heart will go on", pero en versión directo. Obsérvese la candidez de su voz y su excelente afinación. ¿Se puede cantar mejor?
La vuelta de Elvis Presley a finales de 1968 había sido una de las notas de mayor relevancia de la última época del beat. Parecía como si el principal impulsor del rock and roll quisiera estar presente en los momentos en que mayores y más profundos cambios se estaban produciendo en la historia de la música. Pero no fue un regreso dulce. El precio que iba a pagar había de ser, como había ocurrido anteriormente con con grandes leyendas como Buddy Holly, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, el más alto: la vida.
Desde el regreso del "rey", su carrera había sido un declive constante. Su vida privada entre 1969 y 1977 fue una cadena de accidentes y desgracias. Debió afrontar dos graves problemas personales: una situación familiar insostenible, provocada por su vuelta al estrellato, que acabó en divorcio; y su tendencia a la obesidad, que le obligaba a seguir rigurosas dietas para poder aparecer ante el público "en condiciones". Pero estas dietas le sumían en fuertes depresiones y en agudos estados de abatimiento físico y psíquico.
El 10 de abril de 1977 Elvis llegó a estar muerto durante treinta minutos. Sufrió un colapso en plena escena, permaneciendo en coma durante media hora. Finalmente pudo ser reanimado. Este hecho provocó que se suspendiera la gira que tenía programada por toda Europa. Era solo un aplazamiento. Elvis volvió a cantar en verano, atiborrado de píldoras y tratamientos, y luchando contra la realidad de su envejecimiento. Su figura obesa, que le sumía en el ridículo visual, que no en el vocal, seguía siendo su principal enemigo.
El 16 de agosto de 1977, hace hoy 31 años, Elvis era encontrado inconsciente. Trasladado urgentemente al Hospital Menphis Baptist, moría de un ataque al corazón en la ambulancia.
Con su muerte, las escenas de histeria y consternación mostraron el perfil de un mito que estaba más allá de la razón. En EE.UU., hasta finales de 1977, se vendieron más discos de Elvis que en los últimos diez años anteriores. La RCA, su compañía discográfica, relanzó toda su obra, y el público siguió devorándola. La historia produjo accidentes, muertes y hasta suicidios, y su entierro fue un apocalipsis de dolor colectivo. La tumba de Presley no dejó de ser visitada durante los años siguientes, en una demostración palpable de amor arrancado del fondo del corazón de millones de fans. La tragedia del "rey" era la tragedia de todos.
R.E.M. se formó en Athens, un pequeño pueblo del estado de Georgia, Estados Unidos. Descubriendo que tenían gustos musicales similares, el vocalista Michael Stipe y el guitarrista Peter Buck empezaron a trabajar juntos, y con el tiempo conocieron al bajista Mike Mills y al batería Bill Berry. En abril del año 1980 la banda debutó bajo el nombre de Twisted Kites y para el verano del mismo año, la banda ya eligió el nombre que emplearía en las siguientes décadas: R.E.M.. En esta misma época, la banda conoció a Jefferson Holt, quien se convertiría en el mánager del grupo después de haber visto la primera actuación de la banda fuera de su estado, concretamente, en Carolina del Norte.
En el verano de 1981, el grupo grabó su primer single, "Radio free Europe", que incluía como cara B la canción "Sitting still". El single fue publicado por el sello discográfico Hib-Tone Records, del que apenas se editaron 1.000 copias. El sencillo se convirtió en un éxito inmediato en las radios independientes que tenían una gran influencia en colegios y escuelas de todo el sur. Las letras indescifrables de Stipe y su distintiva voz hicieron del sonido de R.E.M. un sonido único e inimitable en los tiempos que corrían.
Gracias a la favorable respuesta que obtuvo "Radio free Europe", sellos discográficos independientes de mayor tamaño comenzaron a interesarse en la banda. Así, R.E.M. firmaron un contrato con I.R.S. Records, sello bajo el cual publicaron su primer EP, "Chronic town" (así como sus primeros cinco álbumes de estudio).
El primer álbum de estudio, "Murmur", fue lanzado en el año 1983. El disco debut obtuvo un gran apoyo por parte de la crítica, sin ir más lejos, la revista musical Rolling Stone lo declaró el mejor álbum del año 1983, y, aún hoy en día la gran mayoría de los críticos lo consideran uno de los mejores álbumes de los años ochenta. Por otra parte, el álbum también obtuvo un considerable éxito comercial. El primer single del disco fue "Radio free Europe", que fue regrabado. También se encontraban en el mismo disco "Sitting still", "Hib-Tone" y "Talk about the passion". Gracias al gran éxito obtenido con el álbum debut, R.E.M. llegaron a hacer su primera aparición en la televisión, en el programa "Late night with David Letterman". Su segundo álbum de estudio, "Reckoning", se publicó en el año 1984, después de haber sido grabado en un tiempo récord (sólo en doce días). De la misma manera que en el anterior trabajo, Stipe continuó escribiendo letras ambiguas y casi indescifrables. El primer single fue "So central rain", y como segundo single la banda optó por "(Don't go back to) Rockville", canción compuesta por Mike Mills. Si bien el álbum fue criticado por ser demasiado poco comercial por parte de las radios principales, las radios independientes acogieron cálidamente el álbum. Para el tercer álbum, "Fables of the reconstruction", la banda decidió cambiar el rumbo de manera drástica. Para ello, el grupo optó por viajar a Londres. Las sesiones en el estudio se convirtieron en mucho más complicadas de lo que la banda había previsto. Surgieron grandes tensiones y la banda estuvo a punto de romper. Estas circunstancias tan tristes y oscuras que rodearon las sesiones de grabación, a la postre proporcionaron al álbum una identidad propia, un álbum muy oscuro que difería mucho de sus anteriores trabajos. En cuanto a las letras del trabajo, Stipe comenzó a escribir unas letras más comprensibles.
Para su cuarto álbum cambiaron a un rumbo un poco más alegre y pop, de aquí nació "Lifes rich pageant". Este álbum tuvo buena respuesta con sus sencillos "Fall on me" y "Superman".
Tras el ligero éxito de "Lifes rich pageant", R.E.M. lanzó el álbum "Document". Éste se convirtió en su primer disco de platino y el mejor hasta la fecha. Aunque "The one I love" y "Finest worksong" se convirtieron en éxitos, el favorito de los fans se convirtió su canción apocalíptica "It's the end of the world as we know it (And I feel fine)". Este gran éxito les consiguió un contrato con la Warner Bros., el contrato más caro de ese tiempo, ya que su contrato con la I.R.S. había terminado. Su sexto álbum, "Green" se convirtió en un gran éxito con sus sencillos "Stand", "Orange crush" y "Pop song 89" y sus canciones como "Turn you inside out".
En la década de los 90 la banda crece sobremanera y, con el disco "Out of time" (1991) que vendió más de 10 millones de copias y en especial el single "Losing my religion" (cuyo vídeo fue muy criticado por la iglesia católica), R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, por delante de grupos como U2 o Nirvana en las listas de ventas. Otros singles extraídos del disco fueron "Shiny happy people", "Low", "Near wild Heaven" y "Radio song". Tras la publicación del disco, Peter Holsapple abandonó el grupo. Un año después, en 1992, R.E.M. lanza un disco más oscuro y con letras más sórdidas, "Automatic for the people", considerado como el mejor disco del grupo hasta el momento. Numerosos singles salieron de este disco: "Drive", "Everybody hurts", "Man on the moon", "The Sidewinder Sleeps Tonite", "Nighstswimming" y "Find The River". En 1994, R.E.M. lanza "Monster", un disco mucho más guitarrero y estridente que los anteriores. Con este disco el grupo trata con su característica polémica temas como el acoso de los medios de comunicación o el sexo. "King of comedy" es prueba de ello.
Bill Berry abandona el grupo dos años después y con él se pierde parte del espíritu de la banda. Su marcha afecta a la música de R.E.M., que comienza a entrar en una etapa delicada. El último disco con Bill Berry fue "New adventures in hi-fi" (1996) donde se mezclaron temas en directo con temas grabados en estudio y donde destacó "E-bow the letter" y que fue el primer single del LP. Le siguieron "Wake-up bomb", "Electrolite", "Bittersweet me" y "How the west was won and where it got us". En 1998 lanzan "Up". Bill Berry es sustituido por Joey Waronker al que se unió también Ken Stringfellow como teclista. El disco mucho más melódico y sensible destaca por la gran cantidad de electrónica que se usó para su producción. "Daysleeper" fue el primer single al que siguieron "Lotus", "At my most beautiful" y "Suspicion". 2001 es el año elegido para lanzar "Reveal". Combina los sonidos electrónicos que ya aparecían en "Up" con el pop de siempre. Los singles que salieron del álbum fueron "Imitation of life", "All the way to Reno" y "I'll take the rain".
Y en 2003, Warner decide lanzar el recopilatorio "In time: The best of R.E.M. 1988-2003", que recoge los mejores éxitos del grupo en su etapa con la discográfica californiana. Bill Rieflin, se incorpora al grupo en sustitución de Joey Waronker.
Su siguente disco fue lanzado en 2004 bajo el título "Around the sun", muy influenciado políticamente y cargado de críticas a la política del gobierno estadounidense actual. "Leaving New York", fue el primer single del disco al que siguieron "Aftermath", "Electron blue" y "Wanderlust". También se incluyó "Final straw", una canción contra la guerra de Irak que publicaron en su web oficial unos meses antes en formato demo.
El 1 de abril de 2008 salió a la venta su último disco de estudio, "Accelerate", y cuyo primer single fue "Supernatural superserious". R.E.M. ha logrado alcanzar el estatus de banda leyenda del rock, y un puesto entre los mejores grupos de la historia. Además, su ciudad de origen Athens les ha guardado un rincón en el hall de la fama de Georgia.
Para terminar, os dejo dos vídeos de la banda: "Everybody hurts", considerada por la prestigiosa Virgin, como la terera mejor canción de la historia, y "Leaving New York", del disco "Around the sun".
Mark Knopfler, nacido en 1949 en Glasgow, es guitarrista, cantante, escritor de canciones y anteriormente periodista y profesor. Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits, actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con su grupo, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo.
Aprendió a tocar la guitarra cuando era un adolescente. En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción "Chilly winds". Incluso llegó a grabar una maqueta llamada "Summer's coming our way" (que no se conserva). Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler y allí pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer's Droop que había publicado ya un álbum, "Opening time". En 1973, grabaron su segundo álbum, "Booze Brothers. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Droop", Pick Withers. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers". Interpretaban su repertorio en los pubs de Londres. Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos").
En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado "Dire Straits". Generó el éxito "Sultans of swing". Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. Durante los 80, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientras que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron "Brothers in arms", un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente. Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum, con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que "Brothers in arms" y tuvo críticas bastante duras. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.
Knopfler se había ganado una cierta reputación como músico de estudio. En 1979 Bob Dylan le llamó para las sesiones de "Slow train coming". En 1983, mientras tocaba con Dire Straits, Knopfler compuso la primera de una larga serie de bandas sonoras, "Local Hero", en la que colaboraron la mayoría de sus compañeros. A Guy Fletcher, teclista que se incorporó a la formación poco después, lo conocieron en 1984, durante la grabación de una de estas bandas sonoras. Fletcher seguiría colaborando con Knopfler en su carrera en solitario y en otras bandas sonoras como la de "Last exit to Brooklyn" (1989), su trabajo más ambicioso como compositor. El estilo de Knopfler en sus bandas sonoras se acerca en general al sonido llamado celta ("Local hero", "Cal", "A shot at glory") aunque también se pueden encontrar ejemplos de otros estilos como el country ("Wag the dog"). En 1993, se publicó Screenplaying; una recopilación de los mejores temas de algunas de sus bandas sonoras. En la etapa de silencio de Dire Straits a finales de los 80, Mark se encontraba saturado del esfuerzo que había supuesto la gira mundial del álbum "Brothers in arms". Por ello, en esos años en los que Dire Straits no publicaba nada, aprovechó para publicar un disco con el guitarrista Chet Atkins en 1990. En 1988 vuelve a colaborar con Bob Dylan en "Down in the groove", en el que coincide con otros grandes, como Clapton. Con StevePhillips, BrendanCrocker y Guy Fletcher agrupó la banda Notting Hillbillies, que publicó un solo álbum de estudio, aunque se reunieron con frecuencia para hacer giras a lo largo de los 1990.
A mediados de los 90, Mark se sentía cada vez menos libre como músico dentro de Dire Straits. Este sentimiento junto con el hecho de que el último álbum de la banda había tenido un recibimiento tibio, hicieron que decidiera lanzar su carrera en solitario tras la disolución de Dire Straits.
En 1996, "Golden heart" vio la luz. En él, encontramos una serie de canciones que continúan el estilo de los últimos álbums de Dire Straits, junto con otras canciones impensables en un álbum de pop-rock al uso como Dire Straits solía publicar.
Alejándose progresivamente del estilo que había seguido en los 80, Knopfler publicó "Sailing to Philadelphia" en el año 2000; con un estilo principalmente de blues. En él colaboraban músicos como Van Morrison, James Taylor o el dúo Squeeze. Más tarde, llegó "The Ragpicker's Dream" en 2002 con un estilo folk. A finales de 2004, publicó el álbum "Shangri-La", grabado en el estudio Shangri-La, en Malibu. En 2006, Mark Knopfler junto a Emmylou Harris publica el álbum "All the Roadrunning", en el que se recogía colaboraciones ente los dos músicos entre los años 2000 y 2006.
El 10 de septiembre de 2007, salió el que hasta la fecha es el último álbum de Mark Knopfler, "Kill to get crimson", en el cual cuenta con las colaboraciones del ex-Dire Straits, Chris White en el saxo tenor, Guy Fletcher en los teclados y Danny Cummings en la percusión. Para este nuevo álbum, Knopfler rompió con la que venía siendo formación habitual de su banda desde mediados de los 80 (dos guitarristas, dos teclados, un bajo y una batería) para pasar a una banda mucho más pequeña (una guitarra, un teclado, un bajo y una batería). Con ello, buscaba alcanzar el estilo musical de las canciones de los años 60. Como curiosidades contaros que Mark Knopfler es zurdo, aunque diestro tocando la guitarra. Toca la guitarra utilizando sus dedos (finger-picking) en lugar de una púa (es decir, toca punteando y con la peculiaridad de producir un sonido limpio y propio. Este estilo peculiar y poco practicado por los grandes guitarristas del rock, le hace característico de un sonido inconfundible, dotando a sus obras de una armonía, matices, cadencia y calidad, propias de la música de los años 50 y 60. Knopfler toca normalmente la guitarra eléctrica, aunque a veces también lo hace conla acústica. Tiene una colección de alrededor de 70 guitarras.
Para terminar os dejo el vídeo de uno de mis temas favoritos de Mark Knopfler, "What it is", del mencionado disco "Sailing to Philadelphia", en el que se pone de manifiesto ese estilo tan peculiar anterioremnte comentado. Hasta el próximo homenaje.
"Long road out of Eden", publicado durante el pasado año 2007, es el último álbum de la banda americana Eagles. Con casi seis años de producción, "Long road out of Eden" es el primer álbum de estudio de Eagles desde 1979, año en el que se publicaba "The long run". El álbum ha colocado dos singles de la banda en las listas Hot Country Songs: una versión del tema "How Long" y "Busy Being Fabulous".
El 20 de agosto de 2007, "How Long," escrita por J.D. Souther — quien había trabajado previamente con Eagles escribiendo algunos de sus mayores hits incluyendo "Best of my love," "Victim of love," "Heartache tonight" y "New kid in town" — se publicó como single para la radio y se presentó en television el 23 de agosto de 2007. La banda tocaba la canción en sus conciertos a mediados de los 70, pero no la grabaron en aquella época porque J.D.Souther quería utilizarla en su primer álbum en solitario. "No more walks in the wood" es un tema cuya letra procede del poema "An old-fashioned song," escrito por John Hollander. La canción es una armonía en cuatro por cuatro con acordes de guitarra, pero básicamente cantada a cappella. En una reciente entrevista para la cadena de televisión CNN, Don Henley, cantante solista y batería del grupo, declaró: "Este es probablemente el último disco de Eagles".
La historia de Eagles comienza cuando Glenn Frey (cantante, guitarrista y compositor) y su amigo Don Henley (batería y cantante) se unen a la banda que acompañaba a Linda Ronstadt en la grabación de su disco "Silk Purse". Tras dos años de colaborar con dicha banda, ambos deciden abandonarla para crear su propio grupo. Para ello invitan a los músicos Bernie Leadon (cuerda) y Randy Meisner (bajo) a participar en el proyecto.
Debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. El álbum representa el comienzo de un alud de armonías vocales con la mejor música en la tradición de The Byrds y Crosby, Sitlls, Nash & Young. De este álbum se desprendió el primer sencillo "Take it easy". Su segundo álbum fue "Desperado", en 1973, con mucha tendencia western y country, suponiendo una de las páginas musicales más bellas de los 70.En él se encuentran dos de sus sencillos más famosos: "Desperado" y "Tequila Sunrise".
El tercer álbum de Eagles apareció en 1974 bajo el título de "On the Border", en el que destacó la balada "The best of my love", que llegó al número uno en las listas americanas.
El siguiente trabajo de la banda fue "One of these nights", 1975, que plasmaba la desilusión de la juventud estadounidense a mediados de la década de los setenta. Tras las presiones para la publicación de este disco, Bernie Leadon abandonó los Eagles, siendo sustituido por Joe Walsh, quien introdujo en la banda un mayor peso del rock. Después de este último disco, sale al mercado un recopilatorio: "Their greatest hits 1971-75". El disco incluye los éxitos de sus cuatro últimos discos. Este álbum es el tercer disco más vendido de la historia de la música con más de 29 millones de copias vendidas, solo detras de "Thriller" de Michael Jackson y "Back in Black" de AC-DC. Eagles publica en 1976 su mejor álbum y el más vendido. El título era "Hotel California", que terminó de catapultar a los Eagles a la cima de la fama y con el que ganaron un Grammy. En "Hotel California" los Eagles aportan su visión agridulce de la sociedad estadounidense a través de las ventanas de un hotel que representa metafóricamente el mundo de las drogas. "Hotel California" es uno de los discos más vendidos de la historia y su tema estrella y que le da título ha sido reconocida como una de las mejores canciones, y aún hoy en día sigue apareciendo en las listas de las 10 canciones más importantes de la historia de la música. Tras la aparición de "Hotel California", Randy Meisner abandonó la banda, siendo sustituido por Timothy B. Schmidt. El sexto álbum llevaba el título de "The long run", y supuso la ruptura de la formación. El disco resultó un éxito, con temas como "Heartache tonight", "The long run" y "I can't tell you why", pero los miembros de la banda ya habían decidido su futuro. El disco se grabó prácticamente a distancia, con los miembros de la banda a cientos o miles de kilómetros de cada uno. Corría el año 1980. Don Henley, Glenn Frey y Joe Walsh iniciaron carreras en solitario. Por esa época salen al mercado dos álbumes más. El primero es un recopilatorio de temas en directo: "Live". El segundo es la segunda parte del primer recopilatorio, aunando los éxitos a partir de "Hotel California". En 1994, tras catorce años de separación y después de rechazar ofertas multimillonarias por volver a tocar juntos, los Eagles deciden unirse de nuevo para seguir su carrera. Su primer trabajo de esta nueva época es el álbum "Hell Freezes Over", con cuatro nuevos temas y once éxitos anteriores. En 2003 Eagles publica un doble disco recopilatorio con sus mejores temas. El título es "The complete greatest hits".
Y ya en 2007, el mencionado "Long road out of Eden".
Os dejo el vídeo del tema "How long" que aparece en este último álbum. A disfrutar.
Su siguente disco fue lanzado en 2004 bajo el título "Around the sun", muy influenciado políticamente y cargado de críticas a la política del gobierno estadounidense actual. "Leaving New York", fue el primer single del disco al que siguieron "Aftermath", "Electron blue" y "Wanderlust". También se incluyó "Final straw", una canción contra la guerra de Irak que publicaron en su web oficial unos meses antes en formato demo. 
