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R.E.M.

R.E.M. se formó en Athens, un pequeño pueblo del estado de Georgia, Estados Unidos. Descubriendo que tenían gustos musicales similares, el vocalista Michael Stipe y el guitarrista Peter Buck empezaron a trabajar juntos, y con el tiempo conocieron al bajista Mike Mills y al batería Bill Berry. En abril del año 1980 la banda debutó bajo el nombre de Twisted Kites y para el verano del mismo año, la banda ya eligió el nombre que emplearía en las siguientes décadas: R.E.M.. En esta misma época, la banda conoció a Jefferson Holt, quien se convertiría en el mánager del grupo después de haber visto la primera actuación de la banda fuera de su estado, concretamente, en Carolina del Norte.
En el verano de 1981, el grupo grabó su primer single, "Radio free Europe", que incluía como cara B la canción "Sitting still". El single fue publicado por el sello discográfico Hib-Tone Records, del que apenas se editaron 1.000 copias. El sencillo se convirtió en un éxito inmediato en las radios independientes que tenían una gran influencia en colegios y escuelas de todo el sur. Las letras indescifrables de Stipe y su distintiva voz hicieron del sonido de R.E.M. un sonido único e inimitable en los tiempos que corrían.
Gracias a la favorable respuesta que obtuvo "Radio free Europe", sellos discográficos independientes de mayor tamaño comenzaron a interesarse en la banda. Así, R.E.M. firmaron un contrato con I.R.S. Records, sello bajo el cual publicaron su primer EP, "Chronic town" (así como sus primeros cinco álbumes de estudio).
El primer álbum de estudio, "Murmur", fue lanzado en el año 1983. El disco debut obtuvo un gran apoyo por parte de la crítica, sin ir más lejos, la revista musical Rolling Stone lo declaró el mejor álbum del año 1983, y, aún hoy en día la gran mayoría de los críticos lo consideran uno de los mejores álbumes de los años ochenta. Por otra parte, el álbum también obtuvo un considerable éxito comercial. El primer single del disco fue "Radio free Europe", que fue regrabado. También se encontraban en el mismo disco "Sitting still", "Hib-Tone" y "Talk about the passion". Gracias al gran éxito obtenido con el álbum debut, R.E.M. llegaron a hacer su primera aparición en la televisión, en el programa "Late night with David Letterman".
Su segundo álbum de estudio, "Reckoning", se publicó en el año 1984, después de haber sido grabado en un tiempo récord (sólo en doce días). De la misma manera que en el anterior trabajo, Stipe continuó escribiendo letras ambiguas y casi indescifrables. El primer single fue "So central rain", y como segundo single la banda optó por "(Don't go back to) Rockville", canción compuesta por Mike Mills. Si bien el álbum fue criticado por ser demasiado poco comercial por parte de las radios principales, las radios independientes acogieron cálidamente el álbum.
Para el tercer álbum, "Fables of the reconstruction", la banda decidió cambiar el rumbo de manera drástica. Para ello, el grupo optó por viajar a Londres. Las sesiones en el estudio se convirtieron en mucho más complicadas de lo que la banda había previsto. Surgieron grandes tensiones y la banda estuvo a punto de romper. Estas circunstancias tan tristes y oscuras que rodearon las sesiones de grabación, a la postre proporcionaron al álbum una identidad propia, un álbum muy oscuro que difería mucho de sus anteriores trabajos. En cuanto a las letras del trabajo, Stipe comenzó a escribir unas letras más comprensibles.
Para su cuarto álbum cambiaron a un rumbo un poco más alegre y pop, de aquí nació "Lifes rich pageant". Este álbum tuvo buena respuesta con sus sencillos "Fall on me" y "Superman".
Tras el ligero éxito de "Lifes rich pageant", R.E.M. lanzó el álbum "Document". Éste se convirtió en su primer disco de platino y el mejor hasta la fecha. Aunque "The one I love" y "Finest worksong" se convirtieron en éxitos, el favorito de los fans se convirtió su canción apocalíptica "It's the end of the world as we know it (And I feel fine)". Este gran éxito les consiguió un contrato con la Warner Bros., el contrato más caro de ese tiempo, ya que su contrato con la I.R.S. había terminado.
Su sexto álbum, "Green" se convirtió en un gran éxito con sus sencillos "Stand", "Orange crush" y "Pop song 89" y sus canciones como "Turn you inside out".

En la década de los 90 la banda crece sobremanera y, con el disco "Out of time" (1991) que vendió más de 10 millones de copias y en especial el single "Losing my religion" (cuyo vídeo fue muy criticado por la iglesia católica), R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, por delante de grupos como U2 o Nirvana en las listas de ventas. Otros singles extraídos del disco fueron "Shiny happy people", "Low", "Near wild Heaven" y "Radio song". Tras la publicación del disco, Peter Holsapple abandonó el grupo.
Un año después, en 1992, R.E.M. lanza un disco más oscuro y con letras más sórdidas, "Automatic for the people", considerado como el mejor disco del grupo hasta el momento. Numerosos singles salieron de este disco: "Drive", "Everybody hurts", "Man on the moon", "The Sidewinder Sleeps Tonite", "Nighstswimming" y "Find The River".
En 1994, R.E.M. lanza "Monster", un disco mucho más guitarrero y estridente que los anteriores. Con este disco el grupo trata con su característica polémica temas como el acoso de los medios de comunicación o el sexo. "King of comedy" es prueba de ello.
Bill Berry abandona el grupo dos años después y con él se pierde parte del espíritu de la banda. Su marcha afecta a la música de R.E.M., que comienza a entrar en una etapa delicada.
El último disco con Bill Berry fue "New adventures in hi-fi" (1996) donde se mezclaron temas en directo con temas grabados en estudio y donde destacó "E-bow the letter" y que fue el primer single del LP. Le siguieron "Wake-up bomb", "Electrolite", "Bittersweet me" y "How the west was won and where it got us".
En 1998 lanzan "Up". Bill Berry es sustituido por Joey Waronker al que se unió también Ken Stringfellow como teclista. El disco mucho más melódico y sensible destaca por la gran cantidad de electrónica que se usó para su producción. "Daysleeper" fue el primer single al que siguieron "Lotus", "At my most beautiful" y "Suspicion".
2001 es el año elegido para lanzar "Reveal". Combina los sonidos electrónicos que ya aparecían en "Up" con el pop de siempre. Los singles que salieron del álbum fueron "Imitation of life", "All the way to Reno" y "I'll take the rain".
Y en 2003, Warner decide lanzar el recopilatorio "In time: The best of R.E.M. 1988-2003", que recoge los mejores éxitos del grupo en su etapa con la discográfica californiana. Bill Rieflin, se incorpora al grupo en sustitución de Joey Waronker.

Su siguente disco fue lanzado en 2004 bajo el título "Around the sun", muy influenciado políticamente y cargado de críticas a la política del gobierno estadounidense actual. "Leaving New York", fue el primer single del disco al que siguieron "Aftermath", "Electron blue" y "Wanderlust". También se incluyó "Final straw", una canción contra la guerra de Irak que publicaron en su web oficial unos meses antes en formato demo.
El 1 de abril de 2008 salió a la venta su último disco de estudio, "Accelerate", y cuyo primer single fue "Supernatural superserious".
R.E.M. ha logrado alcanzar el estatus de banda leyenda del rock, y un puesto entre los mejores grupos de la historia. Además, su ciudad de origen Athens les ha guardado un rincón en el hall de la fama de Georgia.
Para terminar, os dejo dos vídeos de la banda: "Everybody hurts", considerada por la prestigiosa Virgin, como la terera mejor canción de la historia, y "Leaving New York", del disco "Around the sun".


"EVERYBODY HURTS"


"LEAVING NEW YORK"

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Mark Knopfler

Mark Knopfler, nacido en 1949 en Glasgow, es guitarrista, cantante, escritor de canciones y anteriormente periodista y profesor.
Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits, actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con su grupo, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo.
Aprendió a tocar la guitarra cuando era un adolescente. En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción "Chilly winds". Incluso llegó a grabar una maqueta llamada "Summer's coming our way" (que no se conserva). Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler y allí pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer's Droop que había publicado ya un álbum, "Opening time". En 1973, grabaron su segundo álbum, "Booze Brothers.
En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Droop", Pick Withers. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers". Interpretaban su repertorio en los pubs de Londres. Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos").

En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado "Dire Straits". Generó el éxito "Sultans of swing". Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. Durante los 80, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientras que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron "Brothers in arms", un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente.
Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum, con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que "Brothers in arms" y tuvo críticas bastante duras. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.
Knopfler se había ganado una cierta reputación como músico de estudio. En 1979 Bob Dylan le llamó para las sesiones de "Slow train coming".
En 1983, mientras tocaba con Dire Straits, Knopfler compuso la primera de una larga serie de bandas sonoras, "Local Hero", en la que colaboraron la mayoría de sus compañeros. A Guy Fletcher, teclista que se incorporó a la formación poco después, lo conocieron en 1984, durante la grabación de una de estas bandas sonoras. Fletcher seguiría colaborando con Knopfler en su carrera en solitario y en otras bandas sonoras como la de "Last exit to Brooklyn" (1989), su trabajo más ambicioso como compositor. El estilo de Knopfler en sus bandas sonoras se acerca en general al sonido llamado celta ("Local hero", "Cal", "A shot at glory") aunque también se pueden encontrar ejemplos de otros estilos como el country ("Wag the dog"). En 1993, se publicó Screenplaying; una recopilación de los mejores temas de algunas de sus bandas sonoras.
En la etapa de silencio de Dire Straits a finales de los 80, Mark se encontraba saturado del esfuerzo que había supuesto la gira mundial del álbum "Brothers in arms". Por ello, en esos años en los que Dire Straits no publicaba nada, aprovechó para publicar un disco con el guitarrista Chet Atkins en 1990. En 1988 vuelve a colaborar con Bob Dylan en "Down in the groove", en el que coincide con otros grandes, como Clapton. Con Steve Phillips, Brendan Crocker y Guy Fletcher agrupó la banda Notting Hillbillies, que publicó un solo álbum de estudio, aunque se reunieron con frecuencia para hacer giras a lo largo de los 1990.
A mediados de los 90, Mark se sentía cada vez menos libre como músico dentro de Dire Straits. Este sentimiento junto con el hecho de que el último álbum de la banda había tenido un recibimiento tibio, hicieron que decidiera lanzar su carrera en solitario tras la disolución de Dire Straits.

En 1996, "Golden heart" vio la luz. En él, encontramos una serie de canciones que continúan el estilo de los últimos álbums de Dire Straits, junto con otras canciones impensables en un álbum de pop-rock al uso como Dire Straits solía publicar.
Alejándose progresivamente del estilo que había seguido en los 80, Knopfler publicó "Sailing to Philadelphia" en el año 2000; con un estilo principalmente de blues. En él colaboraban músicos como Van Morrison, James Taylor o el dúo Squeeze. Más tarde, llegó "The Ragpicker's Dream" en 2002 con un estilo folk.
A finales de 2004, publicó el álbum "Shangri-La", grabado en el estudio Shangri-La, en Malibu.
En 2006, Mark Knopfler junto a Emmylou Harris publica el álbum "All the Roadrunning", en el que se recogía colaboraciones ente los dos músicos entre los años 2000 y 2006.
El 10 de septiembre de 2007, salió el que hasta la fecha es el último álbum de Mark Knopfler, "Kill to get crimson", en el cual cuenta con las colaboraciones del ex-Dire Straits, Chris White en el saxo tenor, Guy Fletcher en los teclados y Danny Cummings en la percusión. Para este nuevo álbum, Knopfler rompió con la que venía siendo formación habitual de su banda desde mediados de los 80 (dos guitarristas, dos teclados, un bajo y una batería) para pasar a una banda mucho más pequeña (una guitarra, un teclado, un bajo y una batería). Con ello, buscaba alcanzar el estilo musical de las canciones de los años 60.
Como curiosidades contaros que Mark Knopfler es zurdo, aunque diestro tocando la guitarra. Toca la guitarra utilizando sus dedos (finger-picking) en lugar de una púa (es decir, toca punteando y con la peculiaridad de producir un sonido limpio y propio. Este estilo peculiar y poco practicado por los grandes guitarristas del rock, le hace característico de un sonido inconfundible, dotando a sus obras de una armonía, matices, cadencia y calidad, propias de la música de los años 50 y 60. Knopfler toca normalmente la guitarra eléctrica, aunque a veces también lo hace conla acústica. Tiene una colección de alrededor de 70 guitarras.
Para terminar os dejo el vídeo de uno de mis temas favoritos de Mark Knopfler, "What it is", del mencionado disco "Sailing to Philadelphia", en el que se pone de manifiesto ese estilo tan peculiar anterioremnte comentado. Hasta el próximo homenaje.


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Eagles: "Long road out of Eden"

"Long road out of Eden", publicado durante el pasado año 2007, es el último álbum de la banda americana Eagles. Con casi seis años de producción, "Long road out of Eden" es el primer álbum de estudio de Eagles desde 1979, año en el que se publicaba "The long run". El álbum ha colocado dos singles de la banda en las listas Hot Country Songs: una versión del tema "How Long" y "Busy Being Fabulous".
El 20 de agosto de 2007, "How Long," escrita por J.D. Souther — quien había trabajado previamente con Eagles escribiendo algunos de sus mayores hits incluyendo "Best of my love," "Victim of love," "Heartache tonight" y "New kid in town" — se publicó como single para la radio y se presentó en television el 23 de agosto de 2007. La banda tocaba la canción en sus conciertos a mediados de los 70, pero no la grabaron en aquella época porque J.D.Souther quería utilizarla en su primer álbum en solitario.
"No more walks in the wood" es un tema cuya letra procede del poema "An old-fashioned song," escrito por John Hollander. La canción es una armonía en cuatro por cuatro con acordes de guitarra, pero básicamente cantada a cappella.
En una reciente entrevista para la cadena de televisión CNN, Don Henley, cantante solista y batería del grupo, declaró: "Este es probablemente el último disco de Eagles".

La historia de Eagles comienza cuando Glenn Frey (cantante, guitarrista y compositor) y su amigo Don Henley (batería y cantante) se unen a la banda que acompañaba a Linda Ronstadt en la grabación de su disco "Silk Purse". Tras dos años de colaborar con dicha banda, ambos deciden abandonarla para crear su propio grupo. Para ello invitan a los músicos Bernie Leadon (cuerda) y Randy Meisner (bajo) a participar en el proyecto.
Debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. El álbum representa el comienzo de un alud de armonías vocales con la mejor música en la tradición de The Byrds y Crosby, Sitlls, Nash & Young. De este álbum se desprendió el primer sencillo "Take it easy".
Su segundo álbum fue "Desperado", en 1973, con mucha tendencia western y country, suponiendo una de las páginas musicales más bellas de los 70. En él se encuentran dos de sus sencillos más famosos: "Desperado" y "Tequila Sunrise".
El tercer álbum de Eagles apareció en 1974 bajo el título de "On the Border", en el que destacó la balada "The best of my love", que llegó al número uno en las listas americanas.
El siguiente trabajo de la banda fue "One of these nights", 1975, que plasmaba la desilusión de la juventud estadounidense a mediados de la década de los setenta. Tras las presiones para la publicación de este disco, Bernie Leadon abandonó los Eagles, siendo sustituido por Joe Walsh, quien introdujo en la banda un mayor peso del rock.
Después de este último disco, sale al mercado un recopilatorio: "Their greatest hits 1971-75". El disco incluye los éxitos de sus cuatro últimos discos. Este álbum es el tercer disco más vendido de la historia de la música con más de 29 millones de copias vendidas, solo detras de "Thriller" de Michael Jackson y "Back in Black" de AC-DC.
Eagles publica en 1976 su mejor álbum y el más vendido. El título era "Hotel California", que terminó de catapultar a los Eagles a la cima de la fama y con el que ganaron un Grammy. En "Hotel California" los Eagles aportan su visión agridulce de la sociedad estadounidense a través de las ventanas de un hotel que representa metafóricamente el mundo de las drogas. "Hotel California" es uno de los discos más vendidos de la historia y su tema estrella y que le da título ha sido reconocida como una de las mejores canciones, y aún hoy en día sigue apareciendo en las listas de las 10 canciones más importantes de la historia de la música. Tras la aparición de "Hotel California", Randy Meisner abandonó la banda, siendo sustituido por Timothy B. Schmidt.
El sexto álbum llevaba el título de "The long run", y supuso la ruptura de la formación. El disco resultó un éxito, con temas como "Heartache tonight", "The long run" y "I can't tell you why", pero los miembros de la banda ya habían decidido su futuro. El disco se grabó prácticamente a distancia, con los miembros de la banda a cientos o miles de kilómetros de cada uno. Corría el año 1980. Don Henley, Glenn Frey y Joe Walsh iniciaron carreras en solitario. Por esa época salen al mercado dos álbumes más. El primero es un recopilatorio de temas en directo: "Live". El segundo es la segunda parte del primer recopilatorio, aunando los éxitos a partir de "Hotel California".
En 1994, tras catorce años de separación y después de rechazar ofertas multimillonarias por volver a tocar juntos, los Eagles deciden unirse de nuevo para seguir su carrera. Su primer trabajo de esta nueva época es el álbum "Hell Freezes Over", con cuatro nuevos temas y once éxitos anteriores.
En 2003 Eagles publica un doble disco recopilatorio con sus mejores temas. El título es "The complete greatest hits".
Y ya en 2007, el mencionado "Long road out of Eden".
Os dejo el vídeo del tema "How long" que aparece en este último álbum. A disfrutar.

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Bryan Adams

En esta sección, pretendo recopilar algunas de las voces, masculinas y femeninas, ya sean solistas o vocalistas de grupos que, en mi opinión, han aportado o aportan a la música algo más que una voz, bien por su singularidad o por la forma de cantar.
Quiero estrenarme con mi cantante masculino preferido, el canadiense Bryan Adams, el cual une su faceta de intérprete a la de brillante compositor de melodías que ya forman parte de la historia reciente de la musica. Su desgarrada voz le da un estilo personalísimo a sus temas. Además, tiene algo que yo siempre he valorado en gran medida: su calidad cantando en directo. Tuve la suerte de verle en un concierto que ofreció en Alicante hace ya unos años y me impresionó su manera de interpretar los temas, con una gran afinación, sobre todo la parte final en la que cantaba él solo acompañado de una guitarra acústica. Sencillamente genial.

Cuando cumplió 10 años su tío le regaló su primera guitarra y a partir de entonces empezó a mostrar interés por la música. A los 15 años, Bryan dejó la escuela y comenzó a estudiar piano.
En 1979 Adams realizó su primer aporte musical y junto con Jim Vallance, recibieron su primera oferta de la compañía A&M y su primer disco, "Bryan Adams", grabado en 1980.
Su segundo disco, "You want it you got it" salió al mercado en 1981 (aunque no obtuvo un exito masivo).
En 1983, se unieron a Bryan el gran guitarrista Keith Scott y el baterista Mickey Curry (los cuales siguen en la banda en la actualidad), Tommy Mandel (pianista) y Dave Taylor (bajista) y grabó junto con ellos el tercer albun de estudio titulado "Cuts like a knife". Este fue su primer gran éxito, sobre todo gracias a canciones como "Cuts like a knife", "Straight from the heart", y "This time". Asimismo, Bryan ganó su primer disco de platino.
De todas maneras, sería en 1984, el año culminante para Bryan Adams, puesto que gracias al lanzamiento de su álbum "Reckless", obtuvo varios galardones y reconocimientos. En él aparecen temas memorables como "Heaven", "Summer of 69", "Run to you", e "It´s only love", entrañable dueto con Tina Turner, los cuales son ya temas considerados clásicos del rock.
En 1987, viene el lanzamiento de su "no tan exitoso" "Into the fire", el quinto álbum de Bryan. No se logró conseguir el éxito anterior, pero de todas maneras, canciones como "Into the fire", "Hearts on fire", "Victim of love", "Rebel" y "Home again" son temas de gran calidad.
En 1988, Bryan realizó uno de sus mejores conciertos, el "Live!, live!, live!", al cual asistieron más de 50.000 personas. En éste, Bryan presentó una recopliación de sus temas clásicos. Tal fue el éxito alcanzado y la magnitud del evento y asistencia del público, que se decidió grabarlo en su totalidad y sacarlo al mercado.
En 1991 aparece un nuevo álbum de estudio, "Waking up the neighbours", cuyos éxitos más notables son "(Everything I do) I do it for you" (banda sonora de la película "Robin Hood Príncipe de ladrones"), "Can´t stop this thing we started"y "Do I have to say the words?". Con este disco alcanzó gran éxito entre el público, y obtuvo, asímismo, sus repercusiones negativas, puesto que Bryan se había arriesgado a hacer un trabajo un poco diferente de sus álbumes anteriores.
En 1993, en su álbum recopilatorio "So far so good" se lanzaba una nueva canción, "Please forgive me".
En 1994 formó con Sting y Rod Stewart un trío inolvidable para la canción "All For Love", para la banda sonora original de la película "Los tres mosqueteros".
1995 vino con gran sorpresa para los que esperaban algo nuevo en cuanto al trabajo de Bryan, con la canción "Have you ever really loved a woman?", una versión balada-flamenco en la que se incluía la participación de nuestro Paco de Lucía. La canción formó parte de la banda sonora de la película "Don Juan de Marco", la cual podéis disfrutar en mi sección "Un puñado de buenas canciones".
Bryan lanza en 1996 "18´til I die". Canciones como "Let's make a night to remember" y "18 til I die", obtienen éxito masivo.
En 1997 la cadena televisiva MTV decide darle la oportunidad de que grabe su propio "MTV Unplugged". El álbum recopila un concierto sencillo de clásicos, y se presenta en el mercado con tres nuevas canciones, "Back to you", "A little love" y "When you love someone".
Bryan Adams publica el álbum "On a day like today" en 1998, del cual la canción más conocida y de más éxito fue "When you're gone" cantada a dúo con la ex-Spicegirl Melanie Chisholm (Melanie C). En los conciertos, cuando Bryan interpretaba este tema, escogía entre el público a una chica para que cantara con él, con el consiguiente revuelo entre el público femenino.
En 1999 sale a la luz un nuevo álbum recopilatorio: se trata del "The best of me", el cual contiene todos los temas clásicos de Bryan, incluyendo el tema del mismo nombre del álbum.

En 2002, Bryan es contratado con su banda para hacer junto con el reconocido compositor Hans Zimmer y otros músicos la banda sonora de la película "Spirit: Stallion of the cimmarron", una de mis bandas sonoras favoritas. Cabe destacar que este álbum es muy especial; en él encontramos una musicalidad tenaz, un contraste entre balada, rock y una incorporación genial de Hans Zimmer con la orquesta sinfónica e intrumentos pertenecientes a las antiguas culturas indígenas norteamericanas.
A mediados del 2004, Sale al mercado "Room Service", grabado durante una de sus giras en los backstages y habitaciones de hoteles, de ahí el título del disco. Aunque el album no obtuvo ventas masivas, Bryan argumentó que éste album expresa lo que verdaderamente es él, y lo que le gusta hacer, pues parte de las letras de las canciones en su mayoria fueron hechas y corresponden a vivencias personales de Bryan.
Ya en este año 2008, comienza a sonar el nuevo single de Bryan Adams, "I thought I'd seen everything" de su nuevo albúm "11" (en la actualidad, la canción aparece en los primeros lugares de popularidad en todo el mundo). El albúm se llama así por que ese es el undécimo trabajo discográfico de Bryan Adams. El disco contiene 11 canciones y es presentado en un tour que duró solo 11 dias, en 11 sitios principales de Europa.
Para finalizar este artículo, aquí os dejo un par de vídeos que iustran todo el artículo. Saludos.


"HEAVEN"


"RUN TO YOU"

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A night at the opera

"A night at the opera" es, en mi opinión, el mejor disco del grupo Queen. Fue producido por Roy Thomas Baker y Queen, y parece ser que, en la época de su lanzamiento, fue el disco más caro jamás editado. Fue publicado en un principio por EMI en el Reino Unido, manteniéndose en lo más alto de las listas durante nueve semanas, un record en aquellos tiempos. El álbum, junto con el siguiente del grupo "A day at the races", 1976, toma su nombre de la película de los Hermanos Marx. A continuación os pongo un pequeño comentario sobre cada tema del disco.

"Death on two legs (Dedicated to...)" fue escrita por Freddie Mercury y trata sobre Jack Nelson, su anterior mánager y copropietario de los Trident Studios, aunque se eliminó la dedicatoria para evitar problemas legales. Queen nunca sintió que Nelson les diera apoyo promocional o financiero, así que cortaron sus relaciones antes de que las sesiones de grabación del disco comenzaran.
"Lazing on a Sunday afternoon" también es de Mercury. Tocaba el piano y hacía las voces. La voz solista fue grabada y reproducida a través de los auriculares en un cubo. Un micrófono recogía el sonido, simulando un megáfono. El solo de guitarra se tuvo que grabar en una de las pistas de voz, por no quedar más disponibles.
"I'm in love with my car" es de las mejores canciones de Roger Taylor. Éste tocaba las guitarras en la pista original, pero fueron regrabadas por May con su "Red Special", su guitarra personal. Todas las voces fueron cantadas por Roger Taylor. La canción fue tocada a menudo en el período 77-81. Taylor la cantaba a la batería mientras Freddie Mercury tocaba el piano.
"You're my best friend" fue el primer single cantado por John Deacon, compuesta por él mientras aprendía a tocar el piano. Tocó el piano durante la grabación e incluyó dos pistas de bajo. La canción fue escrita para su esposa, Veronica Tetzlaff.
"39" tiene la interesante distinción de ser la 39ª pista de álbum lanzada originalmente en un álbum de Queen. Cuenta la historia de un hombre que viaja desde la Tierra para colonizar un nuevo mundo y experimenta el fenómeno de la Teoría de la Relatividad de Einstein. Este tema fue escrito por el guitarrista Brian May, que estaba a punto de terminar su tesis doctoral en astronomía poco antes de incoporarse al grupo. En directo era interpretada por Freddie.
"Sweet lady" es un tema con sonido heavy metal escrito por May. Roger Taylor la recordaba como la batería más difícli de interpretar que jamás había grabado.
"Seaside rendezvous", escrita por Mercury, tiene una parte preciosa que comienza a los 0:51 segundos. Esta parte fue grabada íntegramente por Mercury y Taylor usando sólo sus voces. Mercury imita instrumentos de viento-madera y Taylor, de metal.
"The prophet's song" fue compuesta por May. Incluye un canon vocal interpretado por Mercury, Taylor y May. Es un tema duro y oscuro con influencias del rock progresivo. Con una duración de más de ocho minutos, es el tema más largo de Queen (sin contar el tema instrumenta del disco "Made in heaven").
"Love of my life" es, sin duda, una de las mejores canciones de Mercury. Tocaba el piano (incluyendo un solo clásico) e hizo todas las pistas vocales, lo cual tiene un mérito increíble. Brian May tocaba el arpa , la guitarra acústica y su habitual Red Special. En los conciertos, era costumbre que Mercury dejara al público cantar trozos del tema.
"Good company" fue escrita e interpretada por Brian May. Todas las voces son suyas. La grabación recreaba una banda de estilo jazz, a base de pistas de guitarra con varios efectos.
"Bohemian rhapsody" fue compuesta por Mercury. Todas las guitarras (excepto el solo de May), los bajos y la batería, además de los arreglos vocales, fueron interpretados por él. Los otros miembros grabaron sus propios instrumentos sin saber cómo saldría la mezcla.
A pesar de tener una duración doble de un single normal en 1975, la canción se hizo inmensamente popular, encabezando las listas de éxitos por todo el mundo, y es considerada hoy en día como una de las canciones más significativas de la historia del rock.
"God save the Queen" es una versión del himno del Reino Unido, grabada por Brian May en 1974. Tocaba un piano de fondo y añadió varias pistas de guitarra. El tema servía de final para los conciertos de la banda.

A continuación, os dejo el vídeo del tema "Bohemian Rapshody".

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Jimi Hendrix

James Marshall Hendrix es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica: fue el precursor de muchas estructuras y del sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock.
En el año 2003, la revista "Rolling Stone" lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos.
Obtuvo su primer guitarra acústica a los 14 años. Aprendió practicando constantemente, mirando como tocaban otros músicos más experimentados y escuchando discos. En 1958, su padre le compró su primera guitarra eléctrica.
Comenzó a actuar en público con el grupo formado junto a un amigo, los "King Casuals". La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de Nashville; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias "en vivo" de Hendrix.
Durante los tres años siguientes Jimi formó parte en la gira del llamado Chitlin' Circuit lo cual resultó fundamental para su formación musical y estilista.
Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la Isley Brothers' Band para una gira por Estados Unidos.
En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames. Durante esas épocas comenzó a consumir drogas, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.
Su año definitivo fue 1966. Durante una noche en el Cheetah Club, el guitarrista conoció a Chas Chandler, bajista del grupo Animals. El paso siguiente fue presentarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenian en mente. Despues de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell. Había nacido la Jimi Hendrix Experience. El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista llamó la atención de artistas ya afamados como Eric Clapton y Jeff Beck.
Con su primer discco, "Are you experienced?"tuvieron una excelente respuesta de ventas en Europa, irrumpiendo en el segundo lugar en la clasificación británica, por detrás de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles.
En junio de 1967, se produjo su presentación en Estados Unidos. No dejaron escapar la ocasión y fue una de las exhibiciones más aclamadas, además de una entre las mejores de su época "live". En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a imitar actos sexuales, sonarla con los dientes, por detrás de la espalda. Al término de la exhibición, le prendió fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores. La salvaje actuación del trío tuvo un enorme eco en los Estados Unidos.
El año 1967 se publicó su segundo disco "Axis: Bold as love". Con él, Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora, experimentando con variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, obteniendo resultados sonoros absolutamente innovadores. El disco fue además íntegramente grabado con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, característica destinada a convertirse en standard en la producción del guitarrista. El álbum resultó todo un éxito, logrando aumentar considerablemente las solicitudes para actuaciones en vivo de la banda y llevando al grupo a tocar en recintos cada vez más amplios.
El último LP de estudio de Hendrix fue el álbum doble "Electric Ladyland" y marcó el declive de la banda.
La última exhibición británica de la banda tuvo lugar en 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el "todo lleno".
Además de la disolución de la que fuera su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales; fue arrestado en Toronto luego de haberle encontrado hash y heroína en su poder.
El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo de los años 60 e inmerso en el movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. El hecho que más sobresalió de todo modos en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarristica operada sobre el tema "The Star-Spangled Banner", himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje, mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, todo utilizando nada más que su guitarra.
En 1970, James Marshall Hendrix muere en Londres yendo ya de camino al hospital, a causa de una sobredosis de LSD mezclada con alcohol. Muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también Jim Morrison, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones.
Hendrix era musicalmente lírico; esto significa que no tenía estudios sobre teoría musical; sin embargo, no fue impedimento para lograr generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas. Pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias mas allá de lo que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y expansión del género.
"La guitarra parecía parte de su cuerpo" dicen los que lo admiran.
Para terminar aquí tenéis la citada actuación de Hendrix en Woodstock. Hasta el próximo homenaje.


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Eric Clapton

La guitarra es la heroína del rock en general. Conocida en sus orígenes como "hacha", es considerada como el instrumento de los instrumentos por naturaleza. Incluso con la expansión de los teclados a partir de 1969, la guitarra mantuvo y ha mantenido su papel vital en la música rock, y ha dado al universo musical grandes guitarristas que van a ser los protagonistas de estos articulos que no pretenden descubrir nada nuevo , sino más bien suponen un homenaje personal a sus figuras y lo que han representado en el mundo del rock.
Mi primer homenaje va dedicado a Eric Clapton.

Eric Patrick Clapton Shaw es un guitarrista de rock y blues. Apodado "Slowhand" (Mano lenta), Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de la música rock. Su estilo musical sufrió múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado en el blues. Este músico es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirs, y una mezcla de rock, blues y jazz con Cream, con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker. Las presentaciones en vivo de Cream, con sus largas improvisaciones, sirvieron como modelo para muchos grupos tanto de hard como de rock progresivo en los 60's y 70's.
También tocó con Blind Faith nuevamente con Baker, con el músico Steve Winwood y el bajista de Family, Rick Greich, con el que sólo editó un disco antes de su separación, menos de un año después de su formación. Después de Blind Faith, Clapton se enfocó principalmente en su carrera solista, aunque se acabó integrando a otros proyectos fugaces como Delaney & Bonnie o Derek and the Dominoes. Con este último produce uno de sus más grandes éxitos, "Layla" (dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de su amigo George Harrison).
Clapton se mantuvo prácticamente inactivo durante varios años, debido a una seria adicción a la cocaína. Pete Townsend, guitarrista de The Who, le ayudó a superarla.
La edición de Crossroads en 1988, uno de los primeros paquetes recopilatorios en el entonces nuevo formato compact disc, revitalizó su carrera.
En 1991 la tragedia golpeó a Clapton al morir su hijo Conor, de cuatro años, al caer del piso 53 de su apartamento en Nueva York. En su memoria, Clapton escribe "Tears in Heaven", canción que se convirtió en un éxito masivo y por la cual recibió seis premios Grammy.
El siguiente año, la grabación del concierto MTV Unplugged de Clapton se convirtió en la más exitosa de su carrera, ganando otros seis premios Grammy. Clapton siguió consiguiendo que sus temas alcanzasen las listas de popularidad como "Pretending", "Change the World" y "My Father's Eyes".
En sus últimos trabajos rinde tributo a Robert Johnson, bluesman al que siempre ha considerado como la mayor influencia musical en su carrera.
Hasta la actualidad, y sin contar con sus proyectos previos, Clapton ha publicado la friolera de treinta discos, inlcuyendo recopilatorios y discos en vivo.
Os dejo la versión de "Layla" del mencionado MTV Unplugged. Que la disfrutéis.
Hasta el próximo homenaje.


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Un grupo español que da la talla

Siempre que alguien me pide opinión sobre mis gustos musicales, suelo responder que me gustan, sobre todo, el rock y el pop británicos. Entonces es bastante frecuente que surja una segunda pregunta: ¿y la música española qué?
La música española no me gusta apenas, y no es por ese fenómeno tan típico español que consiste en que por tradición a los españoles nos gusta más lo que viene de fuera que lo nuestro propio. Yo estoy encantado de ser español y me gusta todo lo español: nuestro modo de vida, nuestra gastronomía, nuestro arte, etc. No reniego para nada de lo español; pero, sinceramente, a nivel musical, y con la excepción de algunos artistas consagrados por todos conocidos y pertenecientes a épocas pasadas, nuestra música nunca ha destacado excesivamente en el panorama musical internacional. Es obvio que el idioma es una barrera importante; de ahí que la mayor proyección internacional está dirigida a Sudamérica, aunque últimamente se está abriendo un poco el abanico de países que importan nuestra música.
Este hecho se evidencia todavía más cuando hablamos de grupos musicales en vez de solistas. Pocos grupos musicales españoles aportan una calidad contrastada para competir en el universo musical internacional.
De entre esos grupos hay uno que destaca por encima de todos por su calidad y por su sonido, que lo hace ser, a mi entender, el grupo que "suena" más internacional de todos: LOS SECRETOS.
Es un grupo de música pop-rock español madrileño que comenzó su carrera en los años 80, siendo de los pocos grupos de esa época que sigue en activo, con una veintena de discos publicados. Se les ha relacionado habitualmente con la movida madrileña, aunque yo cero que se identifican más con los grupos surgidos bajo la influencia de la New Wave británica. Su formación ha cambiado a lo largo de los años por las sucesivas muertes de algunos de sus miembros, pero su núcleo principal fue el integrado por los hermanos Urquijo, Javier (sólo al comienzo), Enrique (hasta su muerte en 1999) y Álvaro (hasta la actualidad). Encuadrado en sus orígenes, junto a otras bandas en el renovador movimiento de música popular que vino a llamarse Nueva Ola madrileña, Los Secretos se han revelado a través de más de un cuarto de siglo en activo, y gracias a numerosas canciones consideradas clásicas (entre las que figuran "Déjame", "Sobre un vidrio mojado", "Ojos de perdida" o "Pero a tu lado") como una de las agrupaciones más relevantes de la historia de la música pop-rock española. Su momento de mayor éxito profesional se dio a principio de los años 90. Un momento muy delicado en su historia vino en 1999 con la muerte de Enrique Urquijo, circunstancia que sin embargo contribuyó a un renacer de la banda con la publicación de su homenaje "A tu lado" en el año 2000.
Actualmente Álvaro Urquijo es el cantante solista del grupo. En mi opinión, este hecho ha contribuido a mejorar si cabe el nivel de la banda. Y prueba de ello es el disco grabado en vivo "Concierto sentido", en el que se pone de manifiesto la calidad del grupo, arropado por un buen puñado de excelentes músicos.
De cualquier forma, vaya desde aquí mi reconocimiento a todos los cantantes y grupos españoles que han trabajado y trabajan día a día para ganarse un espacio en este mundo tan duro como es el mercado musical.
Os dejo dos temas del mencionado "Concierto sentido". El primero es el conocido "Por el bulevar de los sueños rotos", una gran versión de un tema de Joaquín Sabina. El segundo es una versión del propio grupo de su emblemático tema "Déjame". Que los disfrutéis.




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Pink Floyd: "The wall"

En una operación cine-musical jamás vista, el disco fue el origen de la película, un singular film dirigido por Alan Parker, en el que el guión, escrito por Roger Waters, y los diálogos eran los mismos que contenía el trabajo del mítico grupo de rock sinfónico Pink Floyd. Lo mejor: sus expresivos dibujos de animación.
Creatividad, violencia, canciones con letras muy expresivas y, sobre todo, buena música. Eso es practicamente lo que podemos encontrar en este especie de videoclip extendido llamado "The wall", que adapta la ópera rock del mismo titulo.
Resumir "El muro" en un par de lineas es bastante complicado, ya que el argumento de la película no es precisamente sencillo. Por ello, quizá la película en sí sea algo compleja y difícil de entender.
Este film es casi perfecto en todos los apartados: escenas muy expresivas e impactantes, entre las que destacan las geniales escenas de animación (inolvidables); el argumento está muy bien adaptado y desarrollado, y las interpretaciones muy cuidadas, sobre todo la del protagonista, papel interpretado de forma magistral por Bob Geldof.
Un gran grito de desesperación que aún sigue derrumbando muros.
Como muestra, os dejo el tramo de película que se corresponde con el archiconocido tema "Another brick in the wall part 2".



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Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", de The Beatles, está considerado por muchos como la obra maestra de la música pop. Tuvo un coste de unas 40.000 libras; se tardó varios meses en preparar la portada, para lograr los permisos de los personajes que aparecen en ella (cerca de 60); muchas semanas de grabación en secreto (más de 700 horas); cambios de look en los propios Beatles; y por supuesto la experiencia con las drogas.

Este álbum estuvo 45 semanas en las listas inglesas de éxitos, de ellas 22 en el nº 1. Sus canciones son las más analizadas, comentadas y examinadas de la historia de la música. Las letras son increíblemente vívidas, y varían desde lo psicodélico ("Lucy in the Sky with Diamonds") a los gentiles sentimientos ("When I'm sixty four", dedicada por Paul McCartney a su padre). "With a little help from my friends", cantada por Ringo Starr, se convirtió en un himno fraternal". De "She's living home" se dice que es la canción que Mozart hubiera compuesto en el año 1967. La polémica alcanza su nivel máximo con las canciones que se supone que mantienen una relación directa con las drogas. Aparte de la mencionada "Lucy in the Sky With Diamonds", cuyas iniciales se corresponden con el LSD, aunque John Lennon lo negase en reiteradas ocasiones, "A day in the life" fue incluso prohibida por la BBC, porque se consideraba un velado tributo a las drogas. Desde el punto de vista musical, supone una rotura de barreras entre la música clásica y el rock. Paul reconoció haber compuesto "Fixing a hole" bajo los efectos de las drogas. Por su parte, George Harrison abría la expectativa de la música hindú y de la futura conversión espiritual de The Beatles con "Within you without you".
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