9

Feliz Año 2011

Que el año próximo venga cargado
de salud, felicidad y buena música
para vosotros y los vuestros.

Y para celebrarlo, he llamado
a unos buenos amigos míos
para que canten conmigo
esta preciosa canción,
dedicada a todos
los visitantes
del
des
ván.



5

"Please come home for Christmas"

Una de las canciones navideñas más famosas de la historia, además de una de las más versioneadas. Compuesta por el cantante y pianista americano de blues Charles Brown junto con Gene Redd,  más de  una cuarentena de artistas la han interpretado, desde Fats Domino hasta Vonda Sheppard, desde B.B. King hasta Lonestar...

Este es un  momento ideal para sacarla del baúl.



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Emerson, Lake and Palmer - "Peter Gunn theme"

La mezcla de tres supertalentos, Keith Emerson (teclados), Greg Lake (bajo, voz y guitarra) y Carl Palmer detrás  de la batería,  por un lado; y la combinación de piezas clásicas con el rock, por el otro, son en mi opinión suficientes argumentos para  que  la superbanda inglesa de rock progresivo Emerson, Lake and Palmer fuera capaz de vender más de cuarenta millones de copias de sus nueve álbumes de estudio, así como otros tantos discos grabados en vivo.

De estos últimos creo que convendría destacar,  por encima de todo,  el superfamoso "Pictures of an exhibition" (1971), basado en el clásico del mismo nombre de Mussorgski, y que les proporcionó gran popularidad; y el "In Concert" (1979), grabado en el Estadio Olímpico de Montreal. Un concierto con un ya mítico comienzo, con el "Introductory Fanfare", seguido del "Peter Gunn theme", un tema original de Henry Mancini, y recreado por ellos de forma magistral. Curiosamente, nunca se publicó en ningún álbum de estudio de la banda. Con posteridad, se editaría en un recopilatorio, y en formato single en varios países.

Así comenzaba aquel concierto:

7

The Headstones - "When something stands for nothing"

Hoy vamos con música canadiense, que hace tiempo que no sale por aquí. Concretamente The Headstones; rock de finales de los 80 en adelante, capitaneados por su vocalista Hugh Dillon, al que acompañaban Trent Carr (guitarra), Tim White (bajista) y Dale Harrison, a la batería.

Grabaron su primer disco, Picture of health, en 1993, y el último, en 2002. De ese primer disco destacaría su carácter ambicioso, agresivo a veces... 

Hay varios temas en el álbum que me gustan; por ejemplo "Tweeter man and the monkey man" (versión de la original de los Traveling Wilburys), "Cemetary", o "When something stands for nothing".




En resumidas cuentas, rock estreemcedor, aderezado con riffs desafiantes y tenaces.
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Syd Barret, el iluminado

En la historia de la música rock suele hablarse del verano del 67. El año entero fue especial, y una parte muy importante de él surgió en los colores fascinantes de su verano. Monterrey, en California, y el psicodelismo, en Inglaterra, fueron dos de las múltiples formas de entender el rock y su evolución.

El Sgt. Peppers de los Beatles, el encarcelamiento de los Stones, el fulgor del soul... Fue demasiado para su tiempo y demasiado para un momento histórico. Las alternativas fueron tantas y tan variadas que apenas si el tiempo nos ha dado por fin una visión de conjunto de lo que sucedió, en forma paralela, dentro de la ya gran nave del rock. La mayoría de los expertos coinciden en destacar al movimiento psicodélico como lo más fundamental de ese año. Entre otras cosas porque era ya parte del futuro, la antesala del 69.

Y fundamental porque grupos como Pink Floyd no se improvisan ni surgen cada año. A principios del año anterior era un grupo de rhythm and blues. Muchos cambios de nombre les habían hecho separarse, para volver tres de ellos a unirse, al aparecer Syd Barret, su primer líder, y el que "diseñó" las características del que iba a ser el grupo nº 1 del psicoldelismo británico.

Syd Barret era un iluminado. Como todo genio tuvo una corta pero fructífera carrera. Como todo genio, dio mucho que hablar y se quemó. Fue víctima del alcohol y de las drogas; y de las revoluciones que impulsaban la maquinaria de su cerebro.

No sólo tenía ideas musicales y escénicas, sino que creó los primeros cantos del psicodelismo frente a la música eminentemente instrumental de otras bandas.


13

30 años sin John Lennon

Después de haber pasado toda la noche rezando a Dios y al diablo... a uno para que le apartara de la tentación, al otro para que le diera fuerzas para llevar a cabo su misión, Mark David Chapman escuchó una voz en su cabeza que decía: "Hazlo..., hazlo..., hazlo." La limusina se detuvo ante el edificio. Primero bajó Yoko y después John. Avanzando dos pasos en dirección a la calzada, sacó el arma del bolsillo y, flexionando las rodillas, con una mano sosteniendo el arma y apuntando mientras con la otra la sujetaba por la muñeca para afirmarla, descargó dos tiros sobre Lennon, alcanzándole en la espalda y haciéndole girar. Después le disparó cuatro veces más, haciendo blanco tres de ellas. Un equipo de médicos de urgencias se esforzó por salvar la vida del artista, pero no pudieron hacer nada por él. Causa de la muerte: colapso por hemorragia masiva.
(Adaptación de un fragmento de "Las Vidas de John Lennon, de Albert Goldman)


Ocho y treinta minutos del  martes 9 de diciembre de 1980. Como cada mañana, entre lunes y viernes, me puse mi coreana verde, al uso por aquella época (a mí me gustaba más que la azul, lo tuve claro desde el principio) y me dirigí al Instituto nº 3, donde estudiaba  2º de B.U.P. aquel año. Estaba superlejos de mi casa. Pero bueno, al fin y al cabo yo lo había elegido (por aquel entonces se podía elegir instituto).

Ajeno al terrible acontecimiento que se había producido en las cercanías de los Apartamentos Dakota de Nueva York,  8 de diciembre todavía  allí, llegué al insituto y me encaminé al lugar donde nos reuníamos mis colegas y yo antes de entrar a clase. Enseguida me percaté de qué algo muy gordo había ocurrido, dado el tono de la conversación que mantenían los que habían llegado antes que yo. ¿Cómo? ¿Pero qué dices? ¡Eso es imposible! ¡Qué cabrón! No recuerdo exactamente mis palabras, pero no creo que distaran mucho de ésas. Sí recuerdo bien que del clavijero de mi guitarra Ibanez colgó durante varios meses un lazo negro en señal de duelo por la muerte de uno de mis músicos favoritos en los pocos años de afición musical que tenía entonces.


Es curioso como todavía después de treinta años, tengo en mi mente aquel día como uno de los más tristes de los que me ha tocado vivir. Muchas veces he pensado cuán fuerte es el poder ejercido por los artistas sobre sus fans, de tal forma que sucesos como éste puedan conmover incluso más que si se tratara de una persona mucho más cercana.

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Gerry & The Pacemakers - "You'll Never Walk Alone"

Gerry & The Pacemakers fue un grupo inglés formado por Gerry Mardsen (voz solista y guitarra), Les McGuire (piano), John Chadwick (bajo) y Peter Mardsen (batería). Todos eran de Liverpool, menos McGuire.

Gerry Mardsen trabajaba en la compañía ferroviaria cuando formó su primer grupo, The Mars Bars, con el que tocó durante seis meses por los clubs del área de Liverpool. En 1959 fundó The Pacemakers y, siguiendo la estela de The Beatles, con los cuales rivalizaban en popularidad por aquel entonces, se convirtieron en el segundo grupo en importancia del Liverpool sound, junto con Billy J. Kramer y sus Dakotas.

En junio de 1962, Brian Epstein se hace su manager y George Martin les produce su primer LP, How do you like it?

Fue un disco al estilo de los de la época, catorce temas compuestos por otros músicos e interpretados por ellos. De ese disco se publicaron  varios singles, entre ellos  el archiconocido "You'll never walk alone". 

En 1965 intervinieron en la película Ferry cross the Mersey. Al año siguiente, al final de la primera etapa del beat, el grupo se separó, dejando tras de sí los LP's "Girl on a swing", "Second album", "Don't let the sun" y "I'll be there". Gerry Mardsen seguiría con su carrera como solista.

La próxima vez que vaya a las Islas, tengo pensado visitar Liverpool, cuna de tantos y tantos grupos como éste, además de todo lo relacionado con The Beatles. Pero, si puedo, no quiero perderme presenciar un partido de los Reds en Anfield, para poder escuchar esto. Seguro seguro que merece mucho la pena.

6

Gilbert O'Sullivan - "What's in a kiss"

Ayer revisando las efemérides para el día de hoy, recordé que tenía en el baúl un apartado de música al que en su día  llamé "horteradillas". La verdad es que en su día me sonaban así. Pero, pasado el tiempo, y seguramente porque igual me estoy haciendo mayor, ya no me suenan tan horteras. ¿Debería alarmarme?

Una de esas canciones es "What's in a kiss", del irlandés Gilbert O' Sullivan, publicado en 1980 dentro de su disco Off Centre. Ha sido uno de sus grandes éxitos, junto con "Alone again (Naturally)", "Clair" o "Get down". Hasta me ha gustado recordarlo, no sé yo.


7

White Lies - “Bigger Than Us”

Ealing es un barrio de la zona oeste londindense, y además cuna del grupo White Lies, que saltó a la palestra el pasado año. Formados en 2007 por Harry McVeigh (vocalista y guitarra), Charles Cave (bajista y  voces), y Jack Lawrence-Brown (batería). Para los conciertos echan mano de Tommy Bowen que contribuye al sonido directo con los teclados.

Enmarcados en ese gran espacio llamado música alternativa, tienen un disco de estudio, To lose my life (2009), el cual produjo cuatro singles: "Unfinished business ", "To lose my life", "Death", o este "Farewell to the fairground".


Para el año que viene se preprara el lanzamiento de su segundo disco, que llevará por título Ritual. De él se conoce ya su primer single, "Bigger than us". Me gustaría que me dieran su opinión los que controlan más que yo este estilo musical, pero a mí me suenan bastante a Joy Division.


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"Pictures Of Matchstick", 1968-1989

Año 1968, los Status Quo publican "Pictures of Matchstick", a la postre su primer gran hit en single, sobre todo en Estados Unidos. Un claro ejemplo de lo que por aquel entonces se llamó "psicodelia bubblegum".


Veintiún años después Camper Van Beethoven la incluyen en su quinto álbum, Key Lime Pie, justo antes de separarse. Esta versión alcanzó cotas más altas en las listas de éxitos que la original.


A mí personalmente me gusta más la segunda, aunque la original siempre será la original. Sea como fuere, tengo guardadas ambas en el baúl.

9

The Doors - "When you're strange"

El esperado documental sobre la mítica banda The Doors llamado When you're strange se estrenará en los cines españoles el próximo 10 de diciembre. Se trata de un interesante viaje en la vida de uno de los grupos más importantes de todos los tiempos y la crónica de una muerte casi anunciada como fue la de su líder, Jim Morrison.


La idea es contar la historia de la banda en una cinta rodada entre 1966 y 1971 y cuenta con numerosas imágenes inéditas del grupo de Jim Morrison, Ray Manzarek, Robby Krieger y John Densmore tocando en directo y enseyando en el estudio.

La historia arranca con el origen de la banda, cuando el cantante y Ray Manzarek se conocen en 1965 en Venice Beach, California. Es una buena ocasión para adentrarse en el mundo de una banda tan grande como The Doors, que gozó de un meteórico éxito que se vio interrumpido por los constantes abusos de su líder.

Jim Morrison es la figura principal del film y sus adicciones a las drogas marcan su declive como cantante y miembro de un grupo que revolucionó la segunda mitad de los años 60. También se exponen con acertada precisión, las fases de composición de sus discos y los problemas que iban aumentando con las autoridades por las continuas provocaciones del cantante en los estadios donde actuaban, incluso cuando terminó arrestado durante un concierto en 1967.

La película  ha contado con buenas críticas, en parte por el contenido inédito que ofrece, y porque cuenta, como era de esperar, con una impecable banda sonora donde destacan sus principales éxitos: "Light My Fire", "Touch Me", "People Are Strange", "Riders On The Storm", "L.A. Woman" y "The End", entre otros.

Una muy interesante película de casi hora y media donde el espectador consigue meterse en la piel del "Rey Lagarto", y que termina con su muerte en París el 3 de julio de 1971. Las puertas vuelven a abrirse para ofrecernos el fondo de armario de una banda que dejó una huella imborrable en los anales de la historia del rock.


Texto tomado de Unblogged.
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Los "light-shows"

La música que surge en la segunda mitad de los años 60 en San Francisco, dará lugar a una serie de solistas y de grupos trascendentales en la música de ese tiempo. Ellos y los británicos que afloran allá por 1967, formarían un frente común, dando pie al origen del vanguardismo en el 69.

Estamos hablando de The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Grateful DeadScott McKenzie o el propio Frank Zappa, entre otros.


Pero aquello era algo más que música. No se entendería fuera del contexto que formaban junto a ella los light-shows y el mundo de la psicodelia en general. El psicodelismo, como forma de arte unido a la música y a las sensaciones visulaes y espirituales, marcó una de las aportaciones fundamentales de la cultura hippy.

Los primeros light-shows surgieron cuando un puñado de artistas desarrollaron paralelamente a los conciertos su técnica, basada en proyectar, jnnto a la música, unas imágenes que produjeran una reacción complementaria en el espectador. Las imágenes se movían con el ritmo, marchando de forma paralela y no separada. Esta técnica pronto llenó los escenarios de nuevos aparatos: proyectores opacos, linternas mágicas, películas basadas en pinturas, etc.  Con el tiempo, llegaron a generar una industria en sí misma, hasta que empezó a degenerar en 1968. En pleno fervor hippy, un concierto de rock era una simbiosis de música, espectáculo visual y droga, buscando la máxima expresión artística.

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13

400 entradas después...

Andaba yo ayer trasteando en la margen derecha del blog, cuando me percaté de que la entrada siguiente, o sea ésta, era la número 400. Vaya tela, y yo con estos pelos. No tenía nada preparado, evidentemente; así que sólo se me ocurrió empezar a escribir a ver qué salía. Y este fue el resultado:

“Quién me iba a decir a mí cuando abrí el blog que llegaría un día en que publicara mi entrada número 400. Una cantidad respetable de entradas, en las cuales he ido intercambiando mis modestos conocimientos musicales con los de todos/as los amigos/as blogueros/as que tengo el placer de haber enlazado en algún momento de estos más de dos años de blog, y los que han comentado alguna vez y lo siguen haciendo.

Siempre he sido amante de la música pop-rock, con lo cual, la gran mayoría de las cosas guardadas en mi baúl van por ese camino, sobre todo de músicos surgidos en las décadas de  los  60, 70 y 80. Dos años y pico después, el baúl está más lleno, porque he ido añadiendo muchas cosas,  bien  algo olvidadas, o simplemente desconocidas.

He aquí algunos ejemplos de esas incorporaciones (la última que aparece, de gratísimo recuerdo para mí):


Así que si reunimos todas las cosas que he recopilado estos años- y espero seguir haciendo- junto con las que ya tenía, creo que me está quedando una colección bastante decente. Eso sí, aunque como ya dije  aquí mismo no hace mucho  es cierto que  he aprendido  muchísimo en todo este tiempo, hay cosas en mis principios que nunca cambiarán. Son inherentes a mi forma de ver la música".



Gracias a todos/as los que habeís pasado por aquí,
y a quienes lo seguís haciendo.
 Estas 400 entradas tienen que ver mucho con vosotros/as.


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Roxy Music - Flesh + Blood

En junio de 1980, Bryan Ferry y su banda publican su séptimo LP, Flesh + Blood, en mi opinión el mejor de toda su carrera, un disco además imprescindible en la historia de la música rock.  Un cuidadísimo estilo, a caballo entre el pop más refinado y el sonido disco, hacen de este trabajo un producto encantador, muy agradable de escuchar. Fue grabado poco después de que el batería del grupo, Paul Thomson, abandonara la formación; así que podemos afirmar que Roxy Music era por aquel entonces un trío, integrado por Ferry, Phil Manzanera y Andy Mackay.

Este álbum vino precedido por la edición de "Over you", uno de sus tres grandes singles, compuesta por Ferry y Manzanera.


Posteriormente se publicó "Oh yeah", un tema genial, suave, nostálgico  y  persuasivo. Si yo lo tuviera que definir con una sola palabra, sin duda escogería el término "elegante".


Y en tercer lugar salió al mercado "Same old scene". Esta canción tiene un sonido "premonitorio" de lo que sería el devenir musical de la banda, debido principalmente al ambiente creado por la caja de ritmos y el fraseo de bajo que suena durante todo el tema. 


El disco está compuesto por un total de 10 temas, entre los que son dignos de mención "In the midnight hour", versión de un tema de Wilson Pickett, y "Eight miles high", original de The Byrds.


5

Manic Street Preachers - "Some kind of nothingness"

Los galeses Manic Street Preachers lanzaron en septiembre  su  décimo trabajo de estudio, "Postcards from a young man", que vino precedido por el sencillo “(It’s not war) Just the end of  love". Es evidente que el disco tiene un aire más comercial.
El propio James Dean Bradfield, guitarra y vocalista del grupo, declaró en su día que andaban buscando una experiencia que les trajera más alegría que otros discos anteriores.

Una manera de reaccionar a la mecaníca interna del grupo, decía Bradfield.

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Ahora, tenemos el nuevo clip del grupo, para el tema “Some kind of nothingness“, donde participa Ian McCulloch, de Echo & The Bunnymen., quien también es el protagonista del clip junto a James Dean Bradfield.


Sin duda alguna, dos grandes vídeos para dos no menos buenos temas. 


8

Another Sunny Day - "You Should All Be Murdered"

Encuadrados en la música indie londinense de finales de ls 80, Another Sunny Day, proyecto encabezado por Harvey Williams, debutó con el single "I'm in love with a girl who doesn't know I exist", uno de los catorce temas de su único álbum,  London Weekend (1992).

Hasta siete singles en total se editaron antes de que el LP saliera al mercado y entre todas esas canciones  hay dos  en ese disco que a mí particularmente me gustan mucho. Una de ellas es este "Horseriding". Sonido fresco y desenfadado, música sencilla y directa.


Sin lugar a dudas la sombra musical de The Smiths fue muy alargada en aquellos años. He aquí una prueba evidente de ello: "You should all be murdered".

6

Chicory Tip - "Son of my father"

El vocalista Peter Hewson, junto a Rick Foster (guitarra),  Barry Mayger (bajo), Brian Shearer (batería) y Rod Cloutt (guitarra solista y teclados) formaron en 1967 la banda popera Chicory Tip.

Despues de unos inicios algo titubeantes, en los que se incluyen varios singles publicados de escasa relevancia comercial,  les llegó su momento cuando se cruzó en su camino un tema de Giorgo Moroder titulado "Son of my father". La versión que la banda hizo de este tema dio como  resultado todo un número 1 en las listas de singles británicas, manteniéndose en ese puesto durante cuatro semanas consecutivas en 1972. 

Es de destacar  el prominente sonido del sintetizador Moog, que dota al tema de un toque bastante peculiar. Fue el primer tema grabado en single que contaba con dicho instrumento. Todo un "one hit wonder" de una banda que, de hecho, sólo grabo un disco de estudio, con el mismo título de esta canción.  

7

Buddy Holly - "That'll be the day"

Buddy Holly es uno de los grandes héroes del rock, especialmente porque su muerte catapultó al rock and roll en el período de caos posteiror a 1959. Pero aún sin haberse convertido en leyenda y gloria, Holly seguiría figurando en la galería de gigantes del rock, seguramente por las expectativas que se habían creado en torno a él, las cuales hacían presagiar aún dos o tres años más de plenitud creadora. Es poco probable que hubiera rebasado la frontera de 1962, o 1964 como mucho, pero eso forma parte de las conjeturas.
Como autor no tenía la fuerza de Chuck Berry, por ejemplo. Sin embargo su música aunaba sencillez, naturalidad y buen ritmo. Concebdia a partir de una base rítmica en la que se prescindía de instrumentos de viento, Los Cricketts, con Holly al frente, contaban con dos guitarras, bajo y batería, fórmula que se haría clásica en los 60. De tal forma que la instrumentación era la clave, hasta el punto de que el sonido del grupo, el ritmo, se convertía en algo tan importante como el del propio cantante.

Su origen tejano es importante para entender sus raíces. La proximidad de México hizo que Buddy Holly fuera uno de los pioneros de lo que más tarde sería llamado Mex-Tex Sound, algo así como un híbrido entre la música del norte de México y el rock sureño. Él lo asimiló perfectamente, convirtiéndolo en puro rock and roll.

El aspecto de Holly y su juventud fueron fundamentales en su historia. Sus gafas de intelectual, su sonrisa y su cara de niño mayor eran rasgos peculiares de su imagen. Creo que cuando murió, a los 22 años, se perdió una verdadera portencia del rock and roll. Las ideas musicales que encerraba su mente murieron con él. Su biografía rebela su propia rebeldía. Pienso que corrió demasiado, pero ese era el espíritu del rock and roll, y Buddy Holly lo tenía.


5

Elliott Murphy - "Last of the Rock Stars"

Autor y solista norteamericano. Apareció en la escena folk de San Francisco, y se pasó al rock en Nueva York, formando un grupo sin apenas éxito.


Debutó como solista con el álbum Aquashow (1974), Las credenciales eran esperanzadoras. Elliott llegaba con la etiqueta de "el nuevo Dylan". De hecho, este álbum parecía algo así como un descendiente directo de Blonde on blonde, séptimo disco de Dylan. Quizá lo mejorcito que se había hecho en la escena folk a imagen suya desde el 66. Sin embargo contenía un estilo de poeta urbano más propio quizá de Lou Reed, aspecto que se reflejaba perfectamente en las letras de las canciones.


Diez temas componían aquel primer trabajo de Elliott Murphy. Recuerdo, sobre todo, la canción que abría el LP, "Last of the Rock Stars".

5

Jeff Wayne, The war of the worlds

Nacido en Nueva York, Jeff Wayne estudió piano y se graduó en la prestigiosa Julliard School of Music. En 1966 recaló en Gran Bretaña y continuó estudiando en el Trinity College. Tras convertirse en productor, alcanzó el éxito con David Essex.

Su gran momento llegó sin embargo en 1978 con la edición del doble álbum The war of the worlds, basado en la obra de H. G. Wells (1898), cuya versión radiofónica ya había aterrorizado a Estados Unidos en 1934 en la voz de Orson Wells y había sido llevada al cine.


Wayne compuso una música de extraordinaria vitalidad y llevó su proyecto a los estudios de grabación con un elenco de importantes figuras como voces: Julia Covington, David Essex, Justin Hayward (Moody Blues), Phil Lynott (Thin Lizzy), además de Richard Burton como narrador. Fue además uno de los primeros álbumes grabados en 48 psitas, usando dos mesas de mezclas de 24 canales.

The war of the worlds fue uno de los mayores impactos de 1978, con más de 2 millones de discos vendidos en el mundo entero. Con posterioridad, volvió a estrenarse la película original de la obra de Wells con la música creada por Jeff Wayne.

6

"Cum On Feel The Noize", de 1973 a 1996

Escrita por Jim Lea y Noddy Holder en 1973, "Cum on feel the noize" fue el cuarto single de Slade en llegar al número 1 de las listas; pero a diferencia de los otros tres, éste lo hizo directamente, sin pasar por puestos inferiores. Curiosamente, en Estados Unidos pasó bastante inadvertida. Más tarde formaría parte de un recopilatorio de la banda llamado Sladest. Un tema a caballo entre el glam estilo T-Rex, y el rock de grupos como Nazareth.


Diez años después, los americanos Quiet Riot la publicaron en su disco Metal Health, lo que contribuyó en gran medida a que este disco llegara a lo más alto de las listas de ventas. No en vano fue el primer tema de heavy metal en alcanzar el  número 5 de las listas de singles. Este rotundo éxito repercutió de manera directa sobre Slade, quienes vieron relanzada su carrera. Este single lo conservo en el baúl desde entonces.


Aunque ha sido versioneada en múltiples ocasiones después de los Quiet Riot, creo que merece la pena destacar que en 1996 Oasis realizara  una nueva  y, en mi opínión, bastante interesante versión, la cual aparecería editada como cara B del single de los de Manchester "Don't look back in anger". Una visón diferente de la misma canción. Y no sería la última.

8

Eric Clapton - Slowhand

Publicado en 1977, y tomando el nombre del apodo que Eric Clapton tenía por aquella época - mano lenta - debido a su supuesta lentitud a la hora de tocar por su adicción a las drogas, figura entre los mejores discos de la historia de la música. 

El hecho de contener tres  grandes canciones  publicadas en forma de single, "Cocaine" (segunda versión que hacía de un tema de J.J. Cale), "Lay down Sally" (con cierto toque country)  y la balada "Wonderful tonight" (inspirada en Patty Boyd), hizo que Clapton recuperara parte del crédito perdido con su anterior trabajo: “No reason no cry” (1976), recogiendo muy buenas críticas y muy buenas ventas. Pero no sólo estos temas gozaban de cierta calidad. Además se pueden disfrutar otros como "The core" o "Next time you see her", que se convertirían en clásicos del artista. La diferencia saltaba a la vista. Este trabajo apostaba más por la calidad que por el virtuosismo. Y de hecho se considera uno de los mejores álbumes de Clapton.

"Wonderful tonight" es una de las mejores baladas que se escribió en aquella década, un tema que expresa las emociones con tierna claridad, un pop "artesano" podríamos decir. Así suena una de las múltiples versiones que Clapton ha hecho de ella.

10

Neil Young - "Heart of gold"

Anoche estuve en el cine viendo "Come, reza, ama", la última peli de Julia Roberts, que lo hace genial, y Javier Bardem, que sólo aparece la última media hora de dos y pico de duración. Me lo pasé muy bien disfrutando de las preciosas vistas de Roma, de La India, de Bali, una fotografía excelente en mi opinión. Y también disfruté bastante con la banda sonora, compuesta por temas conocidos, junto a grandes pasajes instrumentales muy bien escogidos.

Entre las canciones que suenan durante la peli, me llevé una grata sorpresa al escuchar "Heart of gold", de Neil Young. Enseguida ne vino el recuerdo la portada del Harvest, el cuarto disco en solitario del artista, publicado en 1972, poco después de abandonar Crosby, Stills, Nash & Young. Un disco que contó con la aportación de la London Symphony Orchestra, y la colaboración de artistas de la talla de James Taylor, Stephen Stills, Linda Rostandt, Graham Nash o David Crosby. Un gran disco que fue el más vendido de aquel año.

"Heart of gold" es una maravilla de canción. Sobre una somera base de batería, de la que apenas se escuchan el bombo y la caja, unas acertadas guitarras acústicas, y una escalofriante por momentos armónica, sobresale la impresionante voz de Neil Young, a la que acompañan los coros de James Taylor y Linda Rostandt al final de la canción, haciendo de este tema una auténtica obra de arte. Fue número 1 en la lista de singles, contribuyendo, sin duda, al gran éxito del LP.

En uno de mis himnos favoritos y figura, por supuesto, en la lista de mis canciones favoritas que guardo en el baúl.

10

70 años del nacimiento de John Lennon

"Empezaban a sonar las sirenas antiaéreas alrededor de las seis treinta de la madrugada del 9 de octubre de 1940, cuando Mimi Smith cruzaba la puerta del Hospital de la Maternidad de Liverpool. Durante las últimas veinticuatro horas había estado llamando constantemente al hospital intentando saber algo sobre el estado de su hermana favorita, Julia Lennon. Hacía ya treinta horas que estaba de parto y los médicos se disponían a hacerle la cesárea..."

Así comineza la biografía de John Winston Lennon (lo de Winston fue un ataque de patriotismo de su tía, en plena 2ª Guerrra Mundial). Tantas cosas se han dicho y escrito sobre él que no ha lugar intentar descubrir nada nuevo a estas alturas que no se sepa ya de este icono, nacido hoy hace setenta años.

Adorado en vida como una especie de juglar mágico que marcara el ritmo de los sesenta, una vez muerto fue llorado como el santo mártir del movimiento internacional por la paz. Por cierto, este próximo 8 de diciembre se cumplen treinta años de su muerte. Como todas las grandes figuras de la historia, estaba dotado de un genio capaz de utilizar los recursos de la cultura, en este caso de la música rock, y del lenguaje llano para poner de manifiesto las cosas más cotidianas. Como dice Albert Goldman en su libro "Las vidas de John Lennon", merece ser honrado como una inspirada voz contemporánea y como un poeta armonizador.


Feliz cumpleaños, John.

10

Their Satanic Majesties Request, ¿éxito o fracaso?

Poco después de que Mick JaggerKeith Richards y Brian Jones fueran arrestados por presunta posesión de drogas  (por lo que pasaron un tiempo en prisión), su productor y su manager  habituales los abandonaron. Como consecuencia de ello, Their Satanic Majesties Request se convirtió en el primer álbum producido enteramente por los Rolling Stones. Pero ésta no fue la causa de que el LP resultase alucinante y complejo. El fondo psicodélico de la música tuvo mucho que ver con ello.

Para empezar la portada los presentaba como salidos de un cuento de Las mil y una noches en versión extravagante. En ella los Beatles salían de una flor, lo mismo que los Rolling habían aparecido en la portada de Sgt. Pepper's.

La crítica rápidamente comparó los dos discos, pero no había comparación posible: Their Satanic Majesties Request fue un fracaso de ventas, en comparación con el resto de álbumes de la banda. Y su música resultó demasiado elaborada para su tiempo. Provocó la admiración de unos, los más avanzados y los más introducidos en la élite del underground; y la repulsa de otros, los que se movían bajo la influencia del pop en su faceta más comercial e informal.

Sea como fuere, en mi opinión es un disco único y genial, del que siempre me gustó sobre todo este tema:

6

The Soup Dragons - "Divine Thing"

Formados en Escocia a mediados de los 80, la carrera musical de The Soup Dragons se extendió hasta su separación allá por el año 1995, haciendo rock alternativo muy al uso en las bandas de aquella época.

Casi todo el mundo los recordará por una de sus canciones más famosas, la versión de "I'm free" de los Rolling Stones (Out of the head, 1965), y que curiosamente publicarían en una reedición de su segundo álbum, Lovegod (1990), cuando no figuraba en la edición original. Fue un disco en el que su música sufrió un giro desde la música indie rock hacia el llamado rock dance. "I'm free" fue su single de más éxito en el Reino Unido, llegando al número 5 de las listas.


Dos años después, en 1992, editaron su tercer trabajo, Hotwired, un disco que mezcla unos puilidos arreglos de guitarra con sonidos de rock & roll, y que contiene canciones quizá más "fuertes" de la banda, como "Getiing Down", "Running Wild" y las dos que más sonaron de aquel álbum: "Pleasure" o este "Divine Thing".

14

¿Buena música?

Después de dos años y pico con esto del blog, de casi 400 entradas, y, sobre todo, de haber conocido una grandísima cantidad de blogs musicales,  cuyos creadores tienen gustos tan dispares (lo que hace que todo esto especialmente enriquecedor para mí), he llegado a la conclusión de lo diferente que puede llegar a ser para según qué personas el concepto de "buena música".
Dije una vez, y después de todo este tiempo lo matengo, que para mí la buena música es aquélla que me gusta a mí, como me imagino que así lo será para todo el mundo. La relatividad cobra aquí un protagonismo absoluto, como ocurre con cualquier otra faceta del arte. 

Me he empapado de música de un montón de estilos diferentes; he tenido el placer de charlar  sobre música  en persona con algunos/as blogueros/as que  tienen a bien visitar este lugar; he aprendido  muchísimo de estilos y tendencias que no controlaba para nada. Es evidente que sigo considerando "buena música" toda la que así lo era para mí anteriormente. Sin embargo, ese concepto se ha ido ampliando con el paso del tiempo.

Sigo aprendiendo con todos/as vosotros/as. Ahora os dejo con  uno  de  los muchos ejemplos de "mi buena música". 

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Twelve Drummers Drumming - I'll be there

En 1983 los alemanes Twelve Drummers Drumming se lanzan al mercado musical, tomando su nombre de un villancico inglés. Aquella primera formación estaba compuesta por Rudi Edgar (voz), Kurt Schmidt (bajo), Ralf Aussem (guitarra), Sibi Siebert (percusión) y Colin Drummond (teclados).

Pronto se situarían entre las formaciones más sobresalientes del panorama musical internacional. haciendo gala de una música contundente y alejada de bandas contermporáneas tales como U2 o Simple Minds, por ejemplo, al tiempo que se desmarcaban de otra serie de grupos que practicaban un estilo algo desfasado.
Su primer trabajo, denominado como la banda, Twelve Drummers Drumming, mereció todos los respetos de la critica y alcanzó un gran éxito.

El debut "oficial" del grupo en el mercado inglés y americano fue su segundo álbum, Where the Wild Buffalo Roams (1984). A este disco pertenece el superconocido tema "I'll be there" que hizo las delicias de sus fans y que se situó entre los más escuchados de la discografía de la  banda.

Posteriormente publicarían dos trabajos más, en el 90 y en el 95, con varios cambios en la formación del grupo. Y en 2001 aparecería un recopilatorio doble con lo mejor de la banda

Os dejo con el mencionado "I'll be there". Seguro que muchos de vosotros/as lo conoceréis.

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Muse y Britney Spears, lo mejor y peor

Los británicos hacen encuestas para todo. Ahora, según una en la que participaron quince mil británicos a través del sitio nme.com, la versión que Muse grabó del tema de Nina Simone, “Feeling Good“, fue considerado “el mejor cover de todos los tiempos”.

Atrás quedaron The Beatles con “Twist And Shout” y Johnny Cash con “Hurt”. Mientras, en el lado de “lo peor”, Britney Spears fue la ganadora, por el cover que hizo de “I Love Rock ‘N’ Roll” de Joan Jett.

Los 10 mejores covers de todos los tiempos según la encuesta:

1. Muse – ‘Feeling Good’
2. The Beatles – ‘Twist and Shout’
3. Johnny Cash – ‘Hurt’
4. Jimi Hendrix – ‘Hey Joe’
5. Nirvana – ‘Where Did You Sleep Last Night’
6. The Clash – ‘I Fought The Law’
7. Jeff Buckley – ‘Hallelujah’
8. Jimi Hendrix – ‘All Along The Watchtower’
9. Marvin Gaye – ‘I Heard It Through The Grapevine’
10. The White Stripes – ‘I Just Don’t Know What To Do With Myself’

Los 10 peores son:

1. Britney Spears – ‘I Love Rock ‘N’ Roll’
2. Ronan Keating – ‘Fairytale of New York’
3. Celine Dion – ‘You Shook Me All Night Long’
4. Take That – ‘Smells Like Teen Spirit’
5. M People – ‘Itchycoo Park’
6. Robbie Williams – ‘Song 2′
7. Will Young – ‘Light My Fire’
8. Madonna – ‘American Pie
9. Limp Bizkit – ‘Faith’
10. Mark Ronson – ‘No One Knows’

Como en toda encuesta, hay opiniones para todos los gustos. Aquí os dejo el primer tema de cada una de las listas.

Versión original:
http://www.youtube.com/watch?v=h8tuTSi6Sck

Versión original:
http://www.youtube.com/watch?v=M3T_xeoGES8

Fuente: Actualidadmusica.com

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King Crimson - In the Court of the Crimson King"

El año 1969 fue un año demoledor en todos los sentidos, convirtiéndose en un año vital en la historia de la música, un año que cortó de un tajo esa historia en dos, dejando el pop y los 60 atrás y que inició primero el vanguardismo y después la década de los 70.

Después de 1969, un voraz mercado convirtió el rock, fragmentado en muchas tendencias, en una potente industria. Además, la investigación musical dio como resultados la aparición de nuevos instrumentos y nuevos métodos de grabación, todo ello unido a un gran consumismo y una creatividad imparable.

Por otra parte, este año presenció varios acontecimientos relevantes: el festival de Woodstock, el último año Beatle, la muerte de Brian Jones, o el inicio de carreras fundamentales, como las de Yes, Genesis, Santana, Chicago o King Crimson entre otros.

King Crimson encierra en sí mismo todo lo expuesto anteriormente, inquietud musical y eterna búsqueda. Responde sobre todo a la inteligencia de Robert Fripp, fundador, compositor y guitarrista de la banda.

Su primer disco es uno de los grandes discos de la historia por todo lo que supuso. Fue el único de la primera formación. Además, fue un disco extraño para 1969, lleno de claves y misterios, sobrecogedor y fascinante, lo que le valió ser reconocido por los críticos como el LP del año. En resumen, era algo así como una puerta abierta al surrealismo en el rock, al toque abstracto del vanguardismo musical.

Tiene sólo cinco pistas, al estilo de la época. Esto que suena a continuación es el último corte, “In the Court of the Crimson King”, excesivamente largo para lo que estamos acostumbrados a escuchar actualmente, pero que representa la verdadera dimensión de la música de hace 40 años. Si tenéis interés, escuchadlo hasta el final.

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