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Un gran vídeo para una gran canción



Timbaland - "Apologize" (One Republic)

I'm holdin' on your rope,
got me ten feet off the ground.
And I'm hearin' what you say,
but I just can't make a sound.

You tell me that you need me,
then you go and cut me down.
But wait...
You tell me that you're sorry,
didn't think I'd turn around.
And say...

That it's too late to apologize, it's too late.
I said it's too late to apologize, it's too late.

I'd take another chance,
take a fall, take a shot for you.
I need you like a heart needs a beat,
but it's nothin' new - yeah yeah.

I loved you with the fire red,
now it's turnin' blue.
And you say...
"Sorry" like the angel,
Heaven let me think was you.
But I'm afraid...

It's too late to apologize, it's too late.
I said it's too late to apologize, it's too late.
Whoa...!

It's too late to apologize, it's too late.
I said it's too late to apologize, it's too late.
I said it's too late to apologize, yeah.
I said it's too late to apologize, yeah.

I'm holding on your rope,
got me ten feet off the ground...

Os dejo un enlace por si queréis ver otro vídeo de este mismo tema.
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El festival de Woodstock

Los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969 (bajo el lema "Amor, paz y música") se celebró en Woodstock (Bethel, estado de Nueva York) el Woodstock Music and Arts Fair, más conocido mundialmente como Festival de Woodstock. La audiencia, estimada en medio millón de personas, determinó el nacimiento de la llamada "nación de Woodstock", símbolo máximo de la fuerza de la música en los 60 y auténtica bandera de toda una generación en su búsqueda de su propia identidad.
Los participantes en el festival son irrepetibles: Crosby, Stills, Nash and Young, Richie Havens, Who, Joan Baez, Joe Cocker, Ten Years After, Santana, Jimi Hendrix, Credence Clearwater Revival, Grateful Dead, Jeffersson Airplane, Blood Sweat and Tears, Johnny Winter y muchos más. Durante los tres días, fueron grabadas y filmadas 72 horas de música casi ininterrumpidas. Woodstock se convirtió en la culminación del movimiento hippie y del proceso de revolución social y musical iniciado en los 60. Se editó un triple álbum en 1970, del cual se vendieron solamente en ese año más de dos millones de copias. La película supo captar toda la esencia de lo que había sido Woodstock, desde la construcción del escenario y el atasco formado por el público que acudía a la cita, hasta los planos finales, en la soledad de la llanura vacía, cuando todos regresaban ya a sus casas. El hecho de que durante tres días, y en un ambiente hostil por lo precario de la situación, medio millón de personas convivieran pacíficamente fue lo más relevante a nivel social, en un país donde la violencia es casi natural. Aunque las condiciones de vida eran bastante negativas, la música y la sensación de que allí estaba "pasando algo" eran lo fundamental. Con Woodstock, una sociedad puritana y atávica desaparecía de raíz. Cuerpos desnudos de chicos y chicas, con sus ropas secándose al sol, bañándose o descubriéndose los unos a los otros, produjo una reacción inmediata entre sus asistentes, y una posterior entre los herederos del influjo del festival.
De hecho, produce aún hoy una sensación de novedad en quien descubre su significado, bajo el prisma que sea. Sólo se es joven una vez en la vida y, en contadas ocasiones, experimentamos la auténtica y real sensación de la libertad. Para los buscadores de sensaciones, Woodstock fue la panacea: zonas para practicar el yoga, bosques donde perderse, espacio, música constante... Sólo cuando la última nota sonó en el festival y alguién dijo adiós, la realidad se hizo de nuevo patente. Los asistentes volvieron a sus casas con la idea de que haber tomado parte en algo, y eso era mucho más de lo que muchos podían siquiera soñar. Bajo el estigma de la paz, Woodstock era ya el canto más importante de toda una década.
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40º cumpleaños de "Hey Jude"

Tal día como hoy, el 26 de agosto de 1968, hace por tanto 40 años, salía a la venta en Inglaterra el single del mítico tema de los Beatles "Hey Jude", escrita por Paul McCartney, aunque en los créditos figure el dúo Lennon-McCartney, como en cualquier tema compuesto por uno de ellos dos o por ambos músicos. Llevaba como cara B el polémico "Revolution", de John Lennon. Además fue el primer single editado por Apple, la nueva discográfica del grupo.
Las emisoras de radio se mostraron un tanto reacias a pincharla por su extensa duración, más de 7 minutos, el doble de lo habitual en aquella época, pero no tardó demasiado en convertirse en todo un acontecimiento a nivel mundial: a finales de ese mismo año ya había vendido más de cinco millones de copias. Se mantuvo dos semanas en número uno en las listas británicas, y nueve semanas como número uno en las listas de Estados Unidos, el mayor tiempo logrado por un sencillo de los Beatles.
Es de todos conocido que Paul la escribió para intentar consolar a Julian, hijo de John, con motivo del divorcio de éste de su primera esposa, Chyntia. También sabemos que en principio el tema se iba a llamar "Hey Jules", diminutivo de Julian, pero McCartney la cambió porque le sonaba mejor "Jude". Curiosamente, Lennon murió pensando que el tema fue hecho para él; sin embargo, McCartney ha contado varias veces que la idea de la canción surgió a causa de una visita que le hizo a Cynthia Lennon. Julian descubrió que la canción fue escrita para él cerca de veinte años después.

Por aquella época, las relaciones entre los miembros del grupo no pasaban por su mejor momento.
Los Beatles habían iniciado el 30 de mayo en los estudios londinenses de Abbey Road su proyecto más disgregador, aunque también uno de los más ricos artísticamente: la grabación del "White album" ("Älbum Blanco").
En mitad de aquellas sesiones, en las que en ocasiones cada miembro del grupo hacía su labor en estudios separados y donde las tensiones llevaron a Ringo Starr a abandonar la banda durante unos días, los Beatles comenzaron a trabajar en "Hey Jude" el 29 de julio. Desde el principio el grupo tuvo claro que la canción no formaría parte del Álbum Blanco y que sería publicada en un single aparte, como así fue.
Para terminar este artículo, os dejo, como era de esperar, el vídeo original del tema, el cual se abre con un inolvidable crescendo, empezando por el piano y la voz de McCartney, a los que se van uniendo, uno por uno, el resto de los instrumentos, comenzando por las guitarras de Lennon y George Harrison y la batería de Ringo. Termina con una orquesta de cincuenta músicos y las voces de McCartney, Lennon y Harrison, unidas en un extraordinario final de cuatro minutos, haciendo de este tema un himno que permanecerá imperecedero generación tras generación.
(Fuente: Varios)

¡HAPPY BIRTHDAY, "HEY JUDE"!


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The wall

The Wall, decimotercer álbum de Pink Floyd, editado en noviembre de 1979, ha pasado a ser uno de los grandes clásicos del rock y cuya atmósfera morbosa y depresiva ha inspirado a muchos otros músicos de rock. Con un coste de 700.000 dólares, el álbum consiguió veintitrés discos de platino y se sitúa como el disco más vendido en los años 1970 y en el tercer lugar de los discos más vendidos de todos los tiempos. Su single "Another brick in the wall, part 2", del cual tenéis el vídeo en la sección VÍDEOS MUSICALES, es el mayor éxito en sencillo del grupo.


La historia nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada "Pink", que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la 2ª Guerra Mundial en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etcétera, son convertidos por él en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. Durante un intento de suicidio con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo radicalmente opuesto a lo que "Pink" siente y es, señalando el punto sin retorno a la locura, pero que finalmente "Pink" no quiere traspasar. Finalmente se celebra "un juicio" ficticio y simbólico contra "Pink", que termina con la condena de derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en una liberación final que permite a "Pink" volver a "fluir".
Pink Floyd desarrolló una corta gira con The Wall entre 1980 y 1981, pero sólo en unas pocas ciudades (Nueva York, Los Ángeles, Londres y Dortmund). El espectáculo incluyó la proyección de secuencias de animación que posteriormente servirían para la película, así como reproducciones de los personajes como gigantescas marionetas. El espectáculo comenzaba con los supuestos miembros de Pink Floyd con las caras cubiertas por máscaras, para ser poco a poco ocultados a la audiencia por la construcción de un gigantesco muro en el que se sucedían las proyecciones y las actuaciones de las marionetas, y que finalmente era destruido de forma explosiva durante "The Trial" (el juicio), todo ello según se desarrollaba la propia historia.
Este impresionante montaje requirió importantes cantidades de dinero, lo que ocasionó un desastre económico para Pink Floyd. Irónicamente, Richard Wright, que había abandonado el grupo durante la grabación en 1979 y que participaba en estos conciertos como músico a sueldo, fue el único que ganó dinero con la producción.
(Fuente: Varios)
A continuación, os dejo un vídeo de uno de los conciertos de la gira The wall, concretamente en el Earls Court de Londres, en 1980. Aunque no tiene mucha calidad, supongo que merece la pena revivir estas escenas. Todo un lujo para nostálgicos.


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Red Special: La guitarra de Brian May

La historia de esta singular guitarra comenzó en el año 1963, cuando Brian May, con tan sólo 16 años, se dio cuenta que con su guitarra acústica no podía interpretar las canciones que escuchaba en la radio y trataba de emular. Así que decidió cambiarla por una eléctrica; pero en esa época el joven Brian no disponía del dinero para comprarse las caras Gibson y Stratocaster que había en el mercado. Así que, con la ayuda de su padre, Harold May (ingeniero electrónico), decidió embarcarse en un difícil proyecto: fabricarse su propia guitarra, trabajo que comenzó en agosto del ´63 en un dormitorio de su casa convertido en taller. Para la elección del material, Brian tuvo que buscar minuciosamente. Por ejemplo, para el mástil utilizaron la madera de una chimenea que un amigo de la familia iba a tirar. La madera era pura caoba, pero estaba vieja y algo apolillada; sin embargo, Brian logró darle forma a mano.
Así lo explica él mismo:
"El mástil formaba parte de una chimenea que iba a ser destruida. La caoba era de buena calidad, pero era tan vieja que estaba algo apolillada. Rellené los agujeros con madera de cerilla y los cubrí con una capa de Rustin's Plastic Coating. La caja de la guitarra la hicimos de un robusto trozo de roble. En un momento determinado, el escoplo estropeó parte de la madera de la caja, y me sentí tan frustrado que tiré todo por la ventana y empecé de nuevo. Las herramientas utilizadas a lo largo del proyecto, también eran hechas a mano, y las que no estaban, eran herramientas sencillas. En el lugar en el que están unidos el cuerpo y el mástil, sólo utilicé un cortaplumas y una lija, porque no teníamos ninguna herramienta más compleja."
Para los marcadores del diapasón, Brian rebuscó en el costurero de su madre Ruth, y encontró unos botones de madre perla. Esos botones se convertirían en los marcadores de la "Red Special". Las cuerdas las tuvo que comprar, ya que no encontraba ningún sustituto adecuado para ellas. El siguiente paso era construir los fonocaptores (las tomas de sonido). Brian construyó uno con dos cables atados a unos magnetos, pero el resultado no fue el esperado, así que decidió comprar unos fonocaptores Burns Tri-Sonic, aunque a Brian tampoco le gustó el resultado y decidió hacer unos pequeños retoques:
"Los volví a enrollar y los rellené con Araldite, menos el del puente, que probablemente lo haga algún día".
El brazo del trémolo lo hizo con un trozo de acero bastante especial, que él mismo modeló después. Para equilibrarlo utilizó dos resortes de válvulas de motocicleta:
"El brazo de trémolos es una de esas cosas para aguantar los cestos de las bicicletas, y el nudo del final está hecho con una aguja de hacer ganchillos. Los resortes del trémolo son de una motocicleta (ahora no recuerdo de que tipo), pero un amigo mío tenía montones de resortes de válvulas de motocicletas, y usamos eso".
Y por fin, tras un año y medio de trabajo, y con un costo de 8 libras esterlinas, la Red Special emergió. No se parecía a ninguna otra guitarra y su sonido era y es bastante particular, diferente al resto de las guitarras "normales". Antes de tener la guitarra finalmente terminada, Brian la llevó a la escuela, pero se sentía molesto porque no tenía el aspecto de una guitarra comercial. Pero tras pulirla y barnizarla, la guitarra quedó impecable y ya parecía una de las profesionales. Al volver a llevarla a la escuela, sus compañeros quedaron tan impresionados que uno de ellos ofreció cambiársela por su guitarra comprada, obviamente Brian se negó.
Brian continuó buscando el sonido que él perseguía. Tras muchos experimentos, descubrió que tocando con una moneda de seis peniques como púa conseguía un sonido puro y limpio. Y usando esa moneda es como Brian ha tocado en todos los discos y todos los recitales de Queen.
A finales de los 90, el luthier australiano Greg Fryer restauró la Red Special arreglando los problemas que tenía la guitarra a causa del desgaste, dejándola casi como nueva. También fabricó tres copias de la misma (Brian las bautizó George, John y Paul), entregándole dos a Brian, y quedándose con una (Paul).
En 2004, el luthier inglés Andrew Guyton comenzó la fabricación de cincuenta copias de la Red Special: cuarenta en rojo (por el 40º aniversario de la guitarra), y diez en verde (a Brian le gustaban mucho las réplicas de Guild hechas en ese color).
A principios de 2006, la guitarra fue nuevamente objeto de mejoras siendo instalado en ella un nuevo jack e incluso reemplazando el traste 0. El retrasteo completo del mástil fue sugerido para facilitar a Brian la ejecución, pero éste no quiso saber nada al respecto.
(Fuente: Wikipedia)
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Celine Dion

Supongo que Celine Dion no necesita presentación. Para mí es una de las mejores y más reconocibles voces femeninas de la historia de la música moderna. Todo el mundo sabe que es una vocalista canadiense y que ha vendido más de 200 millones de álbumes en todo el mundo. Según los entendidos, y esto ya no lo sabe todo el mundo, su registro vocal abarca desde el rango de contralto hasta el de soprano y es de más de tres octavas. Abarca todas las voces de categoría femenina: contralto, mezzosoprano y soprano. En cambio, su tesitura es la típica de una mezzosoprano.


Nació en 1968 en la ciudad de Charlemagne (Quebec, Canadá). Toda su familia se dedicaba a la música, por lo que desde pequeña vivió envuelta en ese mundo. En 1980 grabó una maqueta con una canción compuesta por su madre. En 1981 se publicó su primer disco, que incluía la canción "Ce n'était qu'un rêve". Rápidamente, Celine se convirtió en una pequeña estrella revelación en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la Medalla de Oro en el Festival Mundial de la Canción.
Aunque en sus inicios Celine cantaba en francés, su lengua materna, su talento no pasó inadvertido allá donde fue y pronto decidió extender su terreno musical grabando en inglés. Su primer álbum en lengua inglesa, Unison (1990) extendió su reconocimiento internacional con el single "Where does my heart beat now" y le abrió las puertas del mercado anglosajón.
Para demostrar que no había olvidado sus raíces y a su público francófono, Celine lanzó en 1991 una recopilación de canciones antiguas del gran compositor Luc Plamondon bajo el título de Dion chante Plamondon. El álbum fue rebautizado en Francia como Des mots qui sonnent.
Posteriormente, salieron a la venta Celine Dion (1992) y The colour of my love (1993) que le dieron un gran impulso en el panorama musical mundial con temas como "Beauty and the beast" (ganadora de un oscar) y "The power of love", que se hicieron muy populares en Estados Unidos y en el resto del mundo.
Tras cuatro años sin grabar en su idioma, salió al mercado D'eux. Obtuvo un éxito arrollador batiendo récords de ventas y hoy en día sigue siendo el álbum francófono más vendido en todo el mundo. Destacan los temas "Je sais pas" y "Pour que tu m'aimes encore".
El año 1996 fue clave para afianzarse como gran estrella internacional con el lanzamiento de Falling into you, del cual se han vendido más de 32 millones de copias en todo el mundo. El álbum recoge temas tan conocidos como "Because you loved me", "It's all coming back to me now" y "All by myself".
Al año siguiente se lanza Let's talk about love, un disco repleto de temas románticos. "My heart will go on" —de la banda sonora original de la película Titanic e incluida en este álbum— resultó un absoluto éxito internacional con millones de copias vendidas y múltiples récords alcanzados consagrando a Celine como una de las artistas más famosas a nivel mundial. Gracias al tremendo éxito de este tema, Let's talk about love continúa siendo su álbum más vendido.
Tras un paréntesis, Celine regresa al primer plano musical con el lanzamiento de A new day has come, en 2002. Incluye los temas "I'm alive", "Goodbye's (the saddest word)" y el single que da título al álbum.
Durante los siguientes tres años salieron al mercado tres discos de estudio: One heart, 1 fille & 4 types y Miracle; uno en directo, A new day... Live in Las Vegas; y el recopilatorio On ne change pas, que recoge sus mejores éxitos en francés.
En 2007 sale a la venta un nuevo álbum en francés, D'elles. De este álbum han sido lanzados los sencillos "Et s'il n'en restait qu'une (je serais celle-là)", "Immensité" y "À cause".
A finales de ese mismo año, se pone a la venta Taking Chances, que ha devuelto a la cantante al centro del panorama musical internacional.
Para despedir este pequeño homenaje a esta grandísima cantante, quiero terminar -como no podía ser de otra forma- con el vídeo del citado "My heart will go on", pero en versión directo. Obsérvese la candidez de su voz y su excelente afinación. ¿Se puede cantar mejor?


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La muerte de Elvis

La vuelta de Elvis Presley a finales de 1968 había sido una de las notas de mayor relevancia de la última época del beat. Parecía como si el principal impulsor del rock and roll quisiera estar presente en los momentos en que mayores y más profundos cambios se estaban produciendo en la historia de la música. Pero no fue un regreso dulce. El precio que iba a pagar había de ser, como había ocurrido anteriormente con con grandes leyendas como Buddy Holly, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, el más alto: la vida.
Desde el regreso del "rey", su carrera había sido un declive constante. Su vida privada entre 1969 y 1977 fue una cadena de accidentes y desgracias. Debió afrontar dos graves problemas personales: una situación familiar insostenible, provocada por su vuelta al estrellato, que acabó en divorcio; y su tendencia a la obesidad, que le obligaba a seguir rigurosas dietas para poder aparecer ante el público "en condiciones". Pero estas dietas le sumían en fuertes depresiones y en agudos estados de abatimiento físico y psíquico.
El 10 de abril de 1977 Elvis llegó a estar muerto durante treinta minutos. Sufrió un colapso en plena escena, permaneciendo en coma durante media hora. Finalmente pudo ser reanimado. Este hecho provocó que se suspendiera la gira que tenía programada por toda Europa. Era solo un aplazamiento. Elvis volvió a cantar en verano, atiborrado de píldoras y tratamientos, y luchando contra la realidad de su envejecimiento. Su figura obesa, que le sumía en el ridículo visual, que no en el vocal, seguía siendo su principal enemigo.


El 16 de agosto de 1977, hace hoy 31 años, Elvis era encontrado inconsciente. Trasladado urgentemente al Hospital Menphis Baptist, moría de un ataque al corazón en la ambulancia.
Con su muerte, las escenas de histeria y consternación mostraron el perfil de un mito que estaba más allá de la razón. En EE.UU., hasta finales de 1977, se vendieron más discos de Elvis que en los últimos diez años anteriores. La RCA, su compañía discográfica, relanzó toda su obra, y el público siguió devorándola. La historia produjo accidentes, muertes y hasta suicidios, y su entierro fue un apocalipsis de dolor colectivo. La tumba de Presley no dejó de ser visitada durante los años siguientes, en una demostración palpable de amor arrancado del fondo del corazón de millones de fans. La tragedia del "rey" era la tragedia de todos.
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